西方文化特点及发展历史剖析

西方文化特点及发展历史西方文化特点及发展历史剖析剖析古希腊罗马时期的艺术希腊和古罗马这两大文明是西方文化的摇篮，是世界文化史上两座永久的丰碑，是西方人所津津乐道的光辉时期。勤劳的古希腊和罗马人民用他们的智慧给我们创造了一个个使人叹为观止的杰作，留给我们一个不管是文化史上还是艺术史上的维以超出的高度。其中古希腊文化又是罗马文化的源头，罗马文化在其基础上不断地发展创新，创造了许许多多标新立异的文化，艺术构想和杰作。因此本文主要是讨论了这两个文化的异同，找出“原希腊”的东西，辨别罗马的创新，给西方文化的传承和发展提供一些粗浅的线索和脉络。古希腊艺术的辉煌大致可分为五个时期:爱琴文化时期是古希腊文化产生的前奏和序曲,除此外可分荷马时期，古风时期、古典时期、希腊化时期。首先是爱琴文化时期(约公元前3000公元前2000间)在创造希腊古典文明的主要民族多利安和伊奥尼亚人到达本土之前，在地中海东北部的爱琴海地区就曾经存在过相当发达的文化，包括从氏族社会到奴隶制社会初期的国家。在艺术史上这一文化被称为“爱琴文化”或“克里特-迈锡尼文化”。古希腊罗马时期的艺术克里特这一地区的美术主要集中于米诺斯宫。宫殿墙壁上有壁画装饰，壁画以流畅的曲线、鲜明的色彩描绘出富有装饰性的人物和图案，手法上与埃及艺术有联系。其中以巴黎女郎、交谈的妇女、侍女图等最为有名。在克里特还出土了一些小型雕像，具有写实与装饰技巧相结合的特点。其中较典型的有玩蛇女郎。迈锡尼文化繁荣于公元前1500-前1200年间。迈锡尼人建造的城市已显示出军事防御的目的。迈锡尼卫城的狮子之门在一块三角形的大石板上刻着一根柱子，两旁有一对狮子相对而立，造型粗壮有力，是西方最早的纪念碑式装饰雕刻。在迈锡尼出土的金器皿上的浮雕典雅精美，尤其是描写猎人捕野牛等画面十分生动。古希腊罗马时期的艺术然后是荷马时期（公元前12前8世纪）荷马时期是根据荷马史诗的作者名字来命名的，也就是氏族社会末期。这一时期为希腊神话形成期，也是造型艺术的萌芽时期。荷马时期最早的造型艺术作期是几何纹风格的陶期，造型简朴，大小不一，用于敬神和陪葬。这一时期的陪葬用小雕像也是几何形的，没有细节刻画。因此，这一时期又被称为“几何风格时期”古风时期（公元前7前6世纪）古风时期是造型艺术的形成期。在这一时期，东方文化通过贸易交往对希腊艺术产生了影响，而希腊艺术又通过吸收东方文化之长和逐渐摆脱东方影响而形成了自己的风格。这一时期的美术成就主要是绘画、建筑和雕刻。绘画：陶器是希腊人主要的日常期皿和出口商品，雅典和科林斯是陶器的重要生产中心。在古风时期，情节性绘画的类型就已确立，先后出现了三种风格：东方风格、黑绘风格、红绘风格。古希腊罗马时期的艺术公元前7世纪的绘画主要为东方风格，出现了受埃及、两河地区影响的兽首人身像、植物纹样等等。黑绘风格出现于公元前6世纪初，它是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象轮廓突出，有如剪影，细部稍用勾线表现。期代表作有阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子等。红绘风格出现于公元前6世纪末，它恰好与黑绘风格相反，是在背景上涂以黑色，留下主体部分的赭色，人物细部用线来描绘。这种风格主要流行于古典时期。绘画表现的多为情节性场面，以神话题材和日常生活题材为主。流畅秀丽的线条表现了各种人物、戏剧性的动人场面以及细腻的感情。建筑：希腊的建筑主要是神庙。古风时期，希腊神庙建筑形成了它的典型形式围柱式，即建筑周围用柱廊环绕。两种基本的建筑柱式已经形成，即多利亚式和伊奥尼亚式。后来，在古典后期的小亚细亚地区又流行一种科林斯柱式。科林斯柱式在伊奥尼亚柱式的基础上发展到更为华丽的装饰，柱头为繁密的花蓝。古风时期的有名建筑是埃吉娜的雅典娜神殿、以弗所的阿尔忒密斯神殿。古希腊罗马时期的艺术雕刻：古风时期的雕刻受埃及影响，人物处于正面直立的僵硬状态。无论男女像，在表情上都带有千篇一律的微笑，通称为“古风的微笑”。人物通常着色，衣纹和头发刻画常具有装饰性的特点。后期雕刻开始出现新的因素，产生了一些较为生动自然的男人体，这种男人体雕像被统称为“阿波罗”。创作于公元6世纪的荷犊的男子便是古风时期的杰作.其后是古典时期（公元前5前4世纪）这一时期是希腊艺术的繁荣期，艺术的各门类都取得了巨大的成就，其中以建筑和雕刻对后世的影响最为深远。建筑：古典时期的围柱式建筑的各部分开始形成固定的格式和比例，总的趋向是简练合理。这一时期建筑的成就相当可观，其中最突出的代表是雅典卫城建筑群。雅典卫城重建于古典初期。它包括山门、巴底农神庙、尼开神庙、伊克瑞翁神庙等建筑，其主要建筑是献给雅典娜女神的巴底农神庙。巴底农神庙长70米，宽31米，列柱的比例为178，柱高105米，采用多利亚柱式，檐壁又采用伊奥尼亚式的浮雕饰带，东西三角楣装饰着高浮雕。它结构匀称、比例合理，有丰富的韵律感和节奏感。建筑结构和装饰因素、古希腊罗马时期的艺术纪念性与装饰性、内容与形式取得了高度统一、是世界艺术史上最完美的建筑典范之一。伊克瑞翁神庙有苗条秀丽的伊奥尼亚柱式，它的南侧有一组女像柱，姿态轻盈，形象端庄，完全没有负重的紧张感。雕刻：古典时期的雕刻已完全摆脱了古风时期的拘束和装饰性，产生了写实而理想的人体，达到了希腊雕刻艺术的鼎盛时期，出现了一批优秀的雕刻家。米隆是古典初期雕刻家。他的作期造型准确，对人物内在的骨胳和肌肉运动有较深的理解和传达。他的代表作掷铁饼者在一个固定的动作上表现出运动的连续性，出色地解决了人体重量落在一只脚上的重心问题，改变了雕刻中直立的程式。古希腊罗马时期的艺术古典盛期最伟大的雕刻家是菲狄亚斯。他设计了雅典卫城建筑，创作了卫城内大量雕刻和装饰浮雕。他的作品创造了典雅、静穆的形象，是古典雕刻的理想美的典范。他为巴底农神庙创作的雅典娜女神像高达12米，用木胎包以黄金、象牙刻成，表现了女神一手托小胜利女神、一手执盾的姿态，受到同时代人及后人的崇拜。此外他还为雅典卫城广场创作了一座雅典娜持矛的雕像，高达9米，据说在海上便可见到镀金矛尖的闪光。他为巴底农神庙的东西三角楣所创作的高浮雕被当作古典雕刻最完美的标本，期中命运三女神姿势优美，衣纹主动，既衬托出女神丰腴的体形，又具有流动柔美的运动感。古典后期，雕刻开始侧重个性的刻画，表现人的个性和感情，人物充满着生活的情趣和内在的激情。这种性格化的描写标志着希腊雕刻的进一步成熟。古希腊罗马时期的艺术普拉克西特列斯以柔美、抒情为特征，他的人物总是处在恬静、愉悦的期氛中，但又充满青春活力，给人以亲切、诗意的感受。他喜欢描写神话人物，如快乐而潇洒的萨提尔，含蓄而优雅的赫尔麦斯。他也塑造了最早的全裸女人体尼多斯的阿芙洛底德，他那优美而流畅的人体表现很快就征服了观众。与普拉克西特列斯的宁静、抒情相反，史珂珀斯的雕刻却传达出一种内在的骚动和悲剧性的冲突。他的人物头部往往处在强烈的扭动中，眼睛深凹，眉骨突出，嘴张开，嘴唇饱满而弯曲，通过面部大的起伏造成强烈的明暗对比，表现出强烈的不安、激奋、痛苦、渴望的感情。尼奥贝群像可能是他的作品，雕像的面部表情和动作表达出人物的绝望、悲愤而又不甘屈服的复杂表情。留西波斯继承和发展了波留克列特斯的理论，他提出了人的头部与身体的比例为18的标准。与波留克列特斯的不同之处在于：他的人物既有运动员一样健壮的体期、又有复杂的感情和充满矛盾的内心世界。他塑造的神话人物赫拉克列斯表现了处在休息中的英雄，肌肉发达的身体与沉思的面部表情形成对比。古希腊罗马时期的艺术最后便是希腊化时期（公元前4世纪末公元1世纪）这一时期，马期顿国王亚历山大率军征服希腊各城邦，建立亚历山大帝国。随着帝国的不断征服与扩张，产生了希腊文化向东方的传播以及与东方文化的交流，这一时期又称之为“泛希腊时期”。这一时期的美术成就主要是雕刻，雕刻艺术形成了以不同的地区为中心的各种风格。本土地区仍然保持着希腊古典传统，技巧更为成熟。萨摩色雷斯的胜利女神以舒展旋转的动作、生动自然的体态、迎风飘动的衣纹表现出胜利者喜悦的心情。人物面向海洋，伫立于船首形底座上，安放在悬崖峭壁，与环境交相辉映，构成有机的整体。在埃及地区，风俗化雕刻流行。雕刻家表现了大量下层人物形象，如流浪汉、渔夫、乞丐、醉汉等，也着重于生活细节描写，如小孩与鹅表现了儿童与动物嬉戏的生动情节。小亚细亚地区的柏加摩斯是希腊化时期的艺术中心之一，在这里史珂珀斯的悲怆风格得到了继续发展。柏加摩斯宙斯祭坛是其代表作。古希腊罗马时期的艺术这一祭坛是为了纪念对高卢地区的征服而建的，期中祭坛浮雕表现了众神与巨人之战的情节，战斗的场面十分激烈。还有一组高卢人的圆雕，表现了强悍的异族人被打败后的倔强、痛苦，如垂死的高卢人、杀妻后自杀的高卢人。罗德岛的拉奥孔在风格上接近柏加摩斯风格，表现了悲剧性情节中人物的痛苦扭动和挣扎。希腊化时期，肖像雕刻得到了发展，出现了歌颂帝王和独裁者的肖像。这些肖像的最大特点是强调非凡的个性，出现了理想化与个性化相结合的倾向，如亚历山大肖像。同时也出现了许多哲学家、诗人、作家的肖像。纵观各个时期的作品,可以总结出古希腊艺术有以下几个特点:第一、希腊的奴隶制不同于埃及,带有较多的民主和自由的色彩,故在美术作品中不仅反映奴隶主贵族的审美观,同时也反映广大自由民族阶层的理想和要求。第二、古希腊美术和古希腊神话传说有密切关系。古希腊美术家是照生活中的人来描绘塑造神的,所以他们创作出来的艺术形象颇有人情味和生活情趣,神人同性同体。第三、希腊重视表现现世生活的乐观,美术作品中的人物形象多是欢乐的.第四、希腊是个航海国家,一定程度上影响着其艺术风格,较开阔,不保守。第五、古希腊的艺术家把肉体的万没看作是神明的特征,对裸体的崇尚是人本主义的产物,表现完美的人体当作最高的理想。第六、古希腊的建筑强调明快节奏,讲究匀称的构图。中世纪时期的艺术中世纪的思想特征是蔑视物质，重视记号所表达的意义。“代表本身的事物（用于实用的目的）在文化代码结构中占据最低层；作为另一类事物（用于观念表达的目的，如权力、神圣、高贵、力量、富有、智慧等）则与前者不同。由于意义问题与价值相联系，就产生了把各种文化记号的表达与内容分等的问题。此外，记号的价值学不仅受事物的价值影响，而且受内容与表达之间关系的某些定量特征的影响。”如宗教的物品，它的内容相对应的价值就可能达到较高的层面。如十字架原本是罗马帝国执行死刑的刑场标记，由于基督教将其作为圣像装饰物，其内含的价值意义使这个标记成为教民崇拜的对象。这种崇拜行为是符号性的，因为教民崇拜的不是圣像装饰物的物质性本身，而是它所代表的宗教观念与权威。在这种意义等级结构中，占据最高位置的是不含有物质性的记号，称为零记号（即表达抽象意义的记号，没有现世的物质可以与其相匹配）。正是这种价值观的引导，中世纪艺术作品反映的都是宗教题材，而人的现世生活却很少表现。中世纪时期的艺术中世纪艺术一般指5-15世纪的西方美术。主要表现在建筑的高度发展，各种形式的大教堂，如拜占庭教堂、罗马式教堂、哥特式教堂在艺术上和工程设计上都取得了很高的成就。雕刻、镶嵌画、壁画、插图画等也获得了繁荣。中世纪艺术属于基督教艺术，它不注重客观世界的真实描写，而往往以夸张、变形等手法表现精神世界一般指515世纪之间的西方美术，包括拜占庭美术、爱尔兰撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术。早期基督教美术有时也被归入中世纪美术。这些丰富多彩的美术构成了欧洲美术发展过程中的重要环节。由于文艺复兴时代及其后的写实主义艺术观的影响，中世纪美术曾在很长时期内没有得到人们的充分认识，甚至称为“黑暗时期”而加以否定。从19世纪开始，西方史学家们才开始重新认识和评价中世纪美术。在20世纪，中世纪美术成为美术史研究的重点之一。许多现代美术史学者分别从不同的角度，运用不同的方法，对各种中世纪美术风格进行深入的观察和解释。他们的研究越来越充分地揭示出中世纪美术所独具的美学特征及其在西方美术发展史中的地位和意义。中世纪艺术也因此构成其特有的风格，其演变分为中世纪艺术也因此构成其特有的风格，其演变分为拜占庭艺术、罗马式艺术和哥特式艺术三个阶段。拜占庭艺术、罗马式艺术和哥特式艺术三个阶段。拜占庭艺术拜占庭艺术拜占庭艺术是典型的描绘神性的宗教艺术。为了向教徒讲解圣经的故事，传达上帝的思想，内容的简洁与意义的明晰至关重要。艺术家放弃凭肉眼所见的直觉来描绘的习惯，而是展开想象，将自然与真实的东西转换为理念情感加以表达。因此，拜占庭艺术不考虑空间感的真实和戏剧性的细节描绘。这种简约的图解式绘画也曾经发展辉煌。并且，这种纯粹的以构图结构将“观念”翻译成可视形象的艺术手法对后来的现代艺术尤其是抽象主义等艺术流派产生过重大影响。中世纪时期的艺术中世纪时期的艺术 罗马式艺术罗马式艺术第十世纪后，欧洲发展成封建制度，形成贵族、武士、平民、奴隶等多阶层社会。城市共和国的兴起，对意大利的政治文化产生新的影响。各地兴建新的教堂，艺术风格出现演变，逐渐形成以延续当年罗马风格为主却又融合了早期拜占庭风格的新罗马式艺术。教堂建筑的式样设计也有了变化：中殿以圆拱顶取代了以前的木梁，材料不再使用砖块而是大量使用石材，犹如周身披上了“白色的外衣”，形成一种外部庄严的古典风格。著名的比萨斜塔是新罗马式教堂艺术的代表作之一。中世纪时期的艺术哥特式艺术哥特式艺术十二世纪，一种区别于罗马式艺术的风格哥特式艺术在法国形成，并逐渐拓展至全欧洲，延续到十五世纪。“哥特式”(Gothic)一词源于中世纪的建筑，是一种发祥于北法兰西、普及于整个欧洲的国际性艺术样式，包含了绘画、雕塑、建筑、音乐和文学等所有文化现象。在哥特建筑和哥特雕塑出现大约50年后，哥特绘画风格在13世纪的时候开始展露，从罗曼风格至哥特风格的过渡并没有明显的界限，但是我们可以发现这一时期的绘画风格较之于前更加沉闷，黑暗和情绪化。这种转变在1200年左右始于英国和法国，1220年左右发展至德国，1300年至意大利。哥特绘画主要以4种形式出现：壁画，板画，插图和花窗玻璃画。作为早期基督和罗马传统的延续，在南欧壁画一直被教堂作为主要的图像表述方式。文艺复兴时期文艺复兴时期的雕塑家开始着手从人的尘世美与真的方面来表现人，创作了富有立体感和尘世坚定信念的雕塑。哥特式人物形象说明了人渴望天国的完美，而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。因此，多纳太罗让他塑造的像真人一样大小的大卫像赤身裸体，而过去只有亚当和夏娃，以及被钉在十字架的人和被拷打致死的圣塞巴斯蒂昂才能如此。大卫也不再是旧约故事中的英雄，而是一个英俊的小伙子，仅戴着一顶佛罗伦萨小帽，以漫不经心的优雅姿态望着敌人的头颅。这里是新型的人的形象，他十分自信，不受习俗束缚，喜欢摆出优越者的姿态。这也许是文艺复兴时期的人最有说服力的形象，他把自己看成一个受他控制的世界的中心，个性的自由就是他的最高目标。到了文艺复兴盛期，则是以一种使个别一般化的理想主义来对待15世纪的写实主义。米开朗基罗塑造的五米多高的大卫像给人深刻的印象，不再是依靠狂烈的激情，或者骄横的漫不经心，而是借助于他的形象的阳刚之美来表现人物。米开朗基罗也以裸体展示人物形象，肌肉强劲有力，通过紧张与松弛的游戏来具体表现精神和肉体互相和谐的理想。启蒙运动时期启蒙运动发生在十八世纪的欧洲，最初产生在英国，而后发展到法国、德国与俄国，此外，荷兰、比利时等国也有波及。法国的启蒙运动与其他国家相比，声势最大，战斗性最强，影响最深远，堪称为西欧各国启蒙运动的典范。从文艺的风格和方法上说，启蒙时期的现实主义，是文艺复兴时期现实主义的继续，但又有新的发展。它的特征不在于情节的生动性和丰富性，不在于刻画人物的性格，而在于具有更多的政论性，作家们都有意识地把他们自己的政治思想贯穿在文学作品之中。这些启蒙著作，成了资产阶级与封建阶级争夺政权的精神武器，是传播资产阶级世界观的“百科全书”。作品中的语言不是诗化，而是流畅的雄辩的政论性散文，富有逻辑性，启发性和战斗性。有些作品，由于哲学意义的深刻、强烈，使它们变成小说化了的哲学沦文。启蒙作家的作品都具有纯理性的特点。启蒙的艺术展览展品不乏名家大作及艺术珍品，将独到、全面地展示启蒙运动这一人类思想遗产。展览的核心是启蒙前所未有的革命力量及其对艺术、哲学和科学延续至今的影响，它为十九世纪、二十世纪欧洲以及中国的思想、政治、工业革命提供了决定性的前提条件。展览共分九个主题：1生活在启蒙时代。通过对启蒙时代德国三个大城市柏林、德累斯顿和慕尼黑宫廷生活以及民众生活的展示，向观众呈现一幅启蒙时期的德国画卷。展品包括画作、服饰、家具、手工艺品等。2知识的新视野。启蒙时代也是欧洲自然科学大发展的时代，在这个部分中，通过天文望远镜、浑天仪、暗箱、万象箱等一系列当时的科学仪器以及对科学仪器使用的模拟重现，展现启蒙时期科学带给人们的全新观察视角。3历史的诞生。在启蒙时期，一方面人们探索全新领域，一方面通过对历史的回顾认识自身。当时艺术品中反复出现的历史题材和古希腊罗马以及埃及证明了这种思潮。4远方和身边。展品包括一系列航海科学仪器和表现大航海的书画作品。在这个时期，遥远的东方特别是神秘的中国是欧洲人向往的乐园，这种向往在绘画、雕刻、家具、器皿、戏剧等方面都有体现。5爱与情感。在启蒙时代，情感的表达成为人们生活的重要方面，而且得到了艺术家的重视，他们通过艺术作品来描画各式情感：亲情、爱情、友情。6回归自然。自然风光一直是西方画家的绘画主题之一，在启蒙时代，画家们将人画入风景中，表现人与自然和谐发展的主题。7黑暗面。此章节意在向观众讲述启蒙的另一面，启蒙时代也有迷信和邪恶，也有阴暗和不公。这个部分通过一些版画大师如贺加斯、戈雅的作品表现人性的阴暗面。8解放与公论。人们在启蒙时代开始参与各种形式的公众生活，社会各阶层特别是妇女得到一定程度的解放。这部分展品包括绘画、日用品、纪念币等。观众可以从人们当时的服装、神态和生活用具中体会社会的变迁。9启蒙的革命。这部分的展品以十九世纪、二十世纪的大师作品为主，意在展现启蒙时代对后世、特别是后世艺术的影响。工业革命时期的艺术工业革命开始的机器化大生产时代，产品设计的合理化、标准化是一个根本性的问答题。标准化是大工业生产的产物，同时也是设计的产物。工业革命后艺术设计发展的特点1、莫里斯现代设计之父莫里斯是英国艺术与手工艺运动的创始人。莫里斯的设计宗旨是希望还给公众、人民以美观而实用的艺术品。这具有民主义的设计思想在当时是先进的。2、新艺术运动与设计新艺术运动与设计是19世纪末20世纪初在欧洲产生和发展的装饰艺术运动，涉及建筑、家具、产品、服装、首饰、平面设计、书籍装帧、绘画、雕塑等多种艺术领域。从设计而言，新艺术运动可以说是一个注重艺术设计形式的运动。工业革命时期的艺术在长达十余年的时间中，新艺术运动曾风靡欧洲，对现代设计和现代艺术都产生了深远影响。新艺术运动在新旧交替之际，是设计从传统形态向现代形态转变的历史时期，主要具有两个方面的特点，一是与已有的设计风格特点是与19世纪弥漫整个欧洲的维多利亚风格决裂，打破了旧传统形式的束缚，创造适合于时代的新风格；二是反对当时在西方艺术中盛行的自然主义，而主张用华美精致的装饰设计来满足社会的需求。与忠实于自然地细微之处不同，而是加以自由、大胆的想象来作装饰性表现，并刻意追求自然中所蕴含的热烈而旺盛的生命力，以表现动植物生产发展的内在过程，真正把握自然、理解自然。尤为可贵的是，新艺术运动的艺术家、设计师们反对将艺术分为纯艺术与实用艺术或大艺术、小艺术，认为艺术家不应该仅致力于创造单价的“艺术品”，而应该创造出一种为社会生活提供优美环境的综合艺术。实质上是主张艺术家、设计师、手工艺师的结果。这种观念可以说是包豪斯精神之先导。工业革命时期的艺术3、现代艺术运动19世纪末的现代艺术运动时艺术史上第一个有计划有意义的寻求一种新风格的艺术运动也是以装饰艺术风格为主要特征的艺术运动。1917年至1931年这十几年间以荷兰为中心的“风格派”艺术设计运动，从立体主义起步，最终完全走向了抽象并深刻影响了20世纪的建筑设计和产品设计。风格派主张艺术要脱离自然物，绝对的抽象。目标就是追求和谐，风格派的作品影响巨大如家具设计师里特维德设计的著名作品红蓝椅其构思直接取自蒙德里安（风格派的主要中心人物）的作品红黄蓝构图。同时，俄国构成主义运动也正形成。它热情赞颂工业文明和机械的成就，崇拜机械结构中严谨的结构方式和材料特征，提倡用工业精神来改造社会生活，改造艺术。其最成功的探索在设计方面。如俄国构成主义设计师塔特林设计的第三国际。尽管留下的作品不多但其对于现代艺术和现代设计的影响是巨大而又深远的。工业革命时期的艺术4、装饰艺术运动与流线型20世纪二三十年代的装饰艺术运动，既是一种艺术运动，又是一种风格，以其富丽新奇的现代性著称。装饰艺术设计和产品设计中严谨的线条和被称作“新古典主义”的符号、垂花饰、花环、有凹槽的柱子，装饰画的花卉纹饰和巴洛克式的卷曲形饰取代了新艺术风格中的奢华倾向和不对称雕刻的滥用。流线型设计时产生于美国又以美国为流行中心的一种设计风格。流线型原来是空气动力学上的名词，指那种表面原滑，线条流畅空气阻力小的物体形状，在产品设计中的流线型风格实际上是一种象征速度和时代的“样式”语言。一种设计风格的流行与否，实际上与这种设计产品的商业化以及产品的消费者心理学上的联系密切相关。流线型设计本质上是一种“样式设计”设计师们的工作重点几乎全集中在流线型的样式设计上，而不顾及其他。流线型设计具有强烈的现代特征，一方面，它与现代艺术中的未来主义和象征主义一脉相承，用象征性的设计将工业时代的精神和对速度的赞美表达出来另一方面，他预想代工业技术的发展密工业革命时期的艺术切相关20世纪30年代，新型材料料和金属模压成型方法得到广泛应用，在模压生产中较大曲率半径有利于脱模和成型，这种生产技术和工艺确定了或强化了这种风格特点。全面来看，流线型风格主要来源于科学技术的进步核工业省生产的发展，而不是美学指导的产物。它是时代的象征也是时代的产物，是科技文化和大众消费文化结合的产物。5、北欧风格地处北欧的斯堪的纳维亚国家因独特的地理位置和独特而悠久的民族文化艺术传统观。在艺术领域一直保持着自己的艺术特色、设计文化品质和艺术精神。其形成于第二次世界大战期间，斯堪的纳维亚的现代设计风格与上述装饰艺术风格和流线型风格不同，他不是一种市民流行时尚审美，也不是一种商业价值的形式主义风格，而是北欧独特民族文化和设计价值观的产物。现代艺术1、包豪斯包豪斯是1919年在德国成立的一所设计学院。其对功能主义的推崇掀起二十世纪三四十年代功能主义的黄金时期。2、国际主义风格和现代设计20世纪四五十年代，被称作是节制与重建的年代，美国和欧洲的设计主流是在包豪斯理论基础上发展起来的现代主义，这种以功能主义为核心的现代主义又被称为“国际主义”。现代主义设计在美英两国的设计推广、发展中曾获得“优良设计”的代称，普普及到很大的领域。美、英德、意大利、日本的设计风格以功能主义为核心但因本国的经济发展层次、文化底蕴的不同又显示出不同的面貌。现代艺术3、多元化设计浪潮在一个多元化得时代中，设计同样面临着挑战，随着现代主义大师的去世，四五十年代代表高雅文化的理性主义设计即功能主义设计遭到了来自多方面的反叛，以先锋艺术为代表的现代艺术观的冲击和否定着正统的设计思想，形成一个以波普设计、激进主义设计、手工艺设计等设计为主的反设计潮流。在60年代开始的多元化设计中，引人注目的一个重要设计思潮是理性主义的“无名性”设计。“无名性”设计以设计科学为基础，强调设计是一项系统工程，是集体性的协同工作，通过设计工程中的理性分析，尽量减少个人风格的影响，实现一个“无名性”的设计理念。20世纪60年代的设计风格，最具有代表性的描述词汇是所谓的波普。从本质上波普风格十余现代主义设计相背离的，所针对的是自包豪斯以来的现代主义设计传统，即优良传统设计。是一种大众消费文化设计，是通俗而短暂的。但实际上，他们这类作品在观念上的影响外，实际上生产和消费的产品有限，如同主流型的精英设计一样，服务和接受的对象只是少数人。受波普风的影响，美国在商业化的设计方面出行了复古设计思潮，如类似“新艺术”运动中的平面设计风格。谢谢观看谢谢观看结束语结束语谢谢大家聆听！谢谢大家聆听！40