时尚摄影教案

精选优质文档-倾情为你奉上艺术学院课时计划课程名称：专业摄影08-09年 第一学期 第 周 第 次讲课 总第 次课班 级 班授课日期月 日月 日月 日 月 日 月 日课 题 时尚摄影第一节 什么是时尚摄影第二节 国内外新锐、时尚摄影师介绍第三节 时尚摄影的特点第四节 时装摄影第五节 时尚人像摄影第六节 人像摄影的布光技巧目的要求通过理论学习和大量案例分析，以及人像摄影实践，让学生充分了解时尚摄影的目的、特点和要求，并重点把握时装摄影和人像摄影的布光技巧和表现手法，突出时尚性和商业性。重点、难题和突破的方法通过视觉来宣传产品或某项服务，以刺激消费欲望和消费行为，是广告摄影的最终目的。所以重点要解决由技术表现摄影观到创意表现摄影观的转变，并且保证任何创意和表现的目的都是紧紧围绕商品的推销意图，但是要提升作品的格调和层次，必须注意作品中文化性和时代性的特点。此外，要把时尚的抽象概念通过作品以具体的视觉形象来展现出来。复习提问1、产品广告摄影有那些不同的表现手法？2、摄影师在广告工作流程中的位置是怎么样的？作 业1、找出5位你喜欢的当代国内外时尚摄影大师，分析他们的作品风格和表现手法，然后写出国内外时尚摄影界的现状。2、尝试学习中的布光方式和表现手法，拍摄时尚人像作品3张（要求：光位正确、光比适当、背景与主体关系适当、构图完整，后期修图手法新颖）课 后 记教学内容和步骤（附后）时尚摄影没有永远的流行，只有永远的过时。 佚名我喜欢粗俗。我对坏品位有浓厚的兴趣它比那种假想中的好品位令人激动得多，后者不过是人们看待事物的一种标准化了的方式而已。赫尔穆特牛顿第一节、什么是时尚摄影时尚摄影，顾名思义，就是以摄影的方式传递时尚信息。这样，时尚摄影的关键其实是拍摄者对于时尚的理解。那么，什么是时尚呢?辞海中对“时尚”一词的解释是“一种外在行为模式的流传现象”。可见，时尚总是与流行联系在一起，与之近意的还有新潮和前卫。不管是时尚、流行还是前卫，这些其实都是一些抽象的感觉，而时尚摄影就是通过某些能体现这些感觉的实体、具象的影像来呈现这种感觉，使时尚变得不再抽象，而是可触、可摸、可感知。提到时尚，人们通常会将之与一些具体的视觉元素联系起来，比如时装、化妆品、漂亮的橱窗、大型广告牌上的巨幅明星照、杂志封面等等。所以，时尚又总是与商业化和消费联系在一起。由于这些时尚的物化标志都是消费性的，因此在拍摄时，除了这些物化的时尚符号，时尚摄影总离不开一个充满诱惑的消费者，即人，也就是模特。通过模特的气质和气息强化时尚的特点，对一般大众产生深度诱惑，起到引领潮流和引导消费的目的。因此，人像往往是时尚摄影中必不可少的对象。时尚是一个介于艺术与商业之间的概念，是一种生活方式。它无所不在，但又附着在各自不同的领域之中。时尚绝不仅仅是灵感瞬间进发的产物，而是商业运作的成果。时代在飞快地前进，新事物每天层出不穷，让人眼花缭乱，时尚的概念与定义也在不断地变化着，它可能与服装和随身的装饰有关，如色彩斑斓的小手袋、可发彩信的新款手机等等。同时，时尚又与花样美男、野蛮女友有关，时尚还与流行有关，或者与新新人类的大话连篇有关总之，每个人对时尚都有着不同的理解。本章节我们将侧重时装摄影和人像摄影的讲解。第二节 国内外新锐、时尚摄影师介绍国内：1.冯海:生于1971年 毕业于中央工艺美术学院 (现清华大学美术学院)，1995年-1998年 华侨大学任教，1998年-2000年毕业于中央美院与澳大利亚、格里菲斯大学、昆士兰艺术学院合办之摄影硕士班（获视觉艺术硕士学位），出版感性摄影冯海摄影作品集。曾获1999-2000年度“中国最佳时装摄影师”称号，获2000-2001年度“中国最佳时装摄影师”称号。曾多次为“IBM”、“MOTOROLA”、“NOKIA”、“佳能”拍摄平面广告，多次为“伦敦雾”、“逸飞”、“法涵诗”、“太和”、“圣三利”、M.TSUBOMI”、 “木真了”等国内外品牌拍摄形象。作品常刊于ELLE、COSMOPOLITAN、BAZAAR、时尚、时装、中国摄影家、Esquire、VOGUE、WEST EAST、现代服装等杂志。作为国内最知名的时装摄影师，他拍的片子可以见证这几年时装在中国突飞猛进的发展，集合成册就是一本现成的中国时装5年发展简史。2.孙郡（Jeff Sun）：时尚摄影师，1978年生， 绍兴人，毕业于中国美院国画专业。近年中国风回潮，世界顶级打牌们争纷跑来新大陆掘金，各大秀场上随处可见中国元素，世上版图渐渐蚕食东方，五千年的细节末梢就在这一瞬间被世界廉价复制并加以贩卖，而对于本土文化的传承与再创造的问题也岌岌可待的摆在了我们的眼前，期待着更多新生觉醒的力量。他来自上海，又一个非科班出生的年轻摄影师，他用自己的独特的现代中国风格影像征服了饥渴的眼球。读他的作品，像是偶尔撞到的一幕电影，被其中某个情节不经意的电击，时间缓缓流淌，图像的张力延展出无数幻想的空间，在观者的心中刻下深深浅浅的印记。这就是一个造梦者的魔力吧。他的作品，给人最大的感受就是每个系列的作品都是在讲述一个故事，纯粹的中国的故事，独特的风格，并且能够把人物、服装、环境很好的融入到一起，并且很好的为故事的主题结合在一起，这是一种感性与理性的完美结合。3.陈曼：女，北京人，新锐时尚摄影师，涉及领域包括设计、绘画、音乐、建筑等。在中央美院附中读书四年，在中央戏剧学院的舞美系学习一年，随后到中央美院摄影系学习四年。她的作品曾多次刊登于法国PREFERENCE、纽约UNLIMITED、英国NYLON、SPORT&STREET以及国内青年视觉、VOUGE、ELLE、BAZAR等杂志，2003年、2004、2006年曾为青年视觉VISION封面摄影。作品多次在意大利、香港等国家和地区获奖，并参加日本、法国等地举行的时尚摄影展。2005年参加莫斯科“时尚与个性摄影双年展”，2006年参加浪潮中国媒体艺术现象展等。当前已经跻身以国内一流时尚摄影师。这个大学时就有了自己的经纪人和助手大学毕业才一年的女孩子，就有自己的工作室，给男男女女的明星拍照，被VERSACE、CHANEL看中，也给ILOOK、VOGUE、时尚拍封面，有自己的粉丝团。 Vision的封面，有颓废的华丽气息。大多是陈曼摄影，东田设计，航悦造型，刘丹模特。国外：1.时尚摄影的鼻祖曼雷美国达达与超现实艺术大师曼雷(Man Ray，1890-1976)涉足时尚摄影算得上是“有心栽花花不发，无心插柳柳成荫”的一个典型案例。曼雷在1921年追随好友兼达达艺术家马塞尔杜尚的脚步离开纽约来到巴黎。在展开一系列令人目眩神迷的激进艺术实验的同时，为现实生活所迫，他还以摄影来尝试解决自己的生计问题。当时的巴黎是世界艺术中心，云集了世界各国优秀的艺术家、作家，曼雷与他们关系密切，为他们拍摄肖像照片，如画家毕加索、米罗，雕塑家布朗库西，诗人布勒东、查拉，作家斯坦因、海明威、柯科多等，拍摄了许多令人难忘的肖像照片。而他那富于创造性的肖像照片也果然赢得了巴黎艺术界的一致好评，上门请曼雷拍摄肖像照片的人络绎不绝。在曼雷的时尚摄影中，不乏以纯粹摄影手法拍摄的时尚摄影作品，但更多的则是大胆导入各种实验性手法的作品。包括了多重曝光、摄影蒙太奇与中途曝光等多种手法。在为当时的时装设计名师埃尔莎斯卡帕莱丽(1880-1973)拍摄一件时装作品时，曼雷运用了三重曝光，这在当时的时装摄影中是一个创举。但为了使斯卡帕莱丽所设计的服装可以令观众从照片获得服装的正面、侧面与背面3个不同角度的信息，曼雷打破常规，断然使用多重曝光的手法使这张照片获得了一种妙不可言的运动感与神秘感。而在创作于1936年的题为恋人们的时装摄影作品中，他把他的一幅名为天文台的时刻，其实是关于他与他的恋人、摄影助手丽密勒的一段感情关系的绘画作品与时装照片组合在了一起，构成了一个具有强烈超现实主义色彩的时尚摄影作品。而即使是拍摄挂在衣架上的服装，曼雷也会精心设计诡谲的光影效果，刻意营造一个神秘的气氛。曼雷的这些时尚摄影作品逐渐在巴黎时尚界扩大影响，开始受到当时时尚杂志的关注。当时最好的时尚传播媒介时尚与哈泼市场杂志等都纷纷刊用他的时尚摄影作品，他的作品很顺利地进入影像流通领域，并给他带来更大的名声。他的时尚摄影，将本来只具有说明性质的”时尚产品插图”的时装摄影提升到了超越“插图”性质的，自身成为了大众社会时尚的一个有机组成部分的“时尚影像”的层面。他的成功，正如他在自传中所说的：他以一个优秀艺术家特有的敏感与才华，“使艺术与时尚融为一体。2.最杰出的时尚摄影大师赫尔穆特牛顿赫尔穆特牛顿(Helmut Newton，1920-2004)，世界上最杰出的时尚摄影大师之一，在欧美时尚界、文化界活跃了半个世纪之多，作家巴拉德把他看作是世界上最为伟大的视 觉艺术家。1940年，他因逃避纳粹统治而离开德国，最后辗转来到澳大利亚定居。但远离西方文化中心的澳大利亚似乎不能满足他的事业野心，于是牛顿于20世纪50年代后期与同为摄影家的妻子来到欧洲闯天下。从1961年起的25年里，牛顿开始成为法国版Vogue杂志的专用摄影师，并且同时受邀成为Marie-Claire、Elle、JardindesModes、Linealtaliana、Queen、Nova等诸多时尚圈顶尖杂志的摄影师。牛顿拍过的名人包括毕加索、皮尔卡丹，还有名模纳奥米坎贝尔、让玛莉安宾、克劳迪娅希弗等等。他的摄影创作已经成为西方视觉文化的一个重要现象，他的作品历来是后起的摄影师 一再模仿的对象，也成为后来时装设计师的灵感源泉。70年代，牛顿把具有恋物和情色倾向的主题带入了摄影主流，那时这类主题的摄影作品被认为只属于那些欣赏口味怪异的人。“时尚、裸露、肖像”作为其作品的三要素反映了广泛的社会内涵，赫尔穆特牛顿的摄影是对传统视觉秩序的一种公然颠覆。他大胆的图像彻底撕去了时装摄影温情、典雅的外表，冲击传统伦理价值的伪饰与压抑的一面，并代之以一种充满危险、鼓励解放观念的图像。他的反传统视觉倒戈强烈地反映了西方社会中，性在消费文化中的扩张与现状，使以前在时装摄影中一直遮遮掩掩的成分公开化、合法化。在牛顿这里，对新时代敏锐的感受力一直是他摄影创作的原动力。牛顿的许多时装摄影在一种具有特殊气氛的空间中展开，他以地下室、都会中的高楼屋顶花园、室内游泳池、欧洲古城堡、豪华旅馆等为舞台，通过别出心裁的场面调度，布置一个令人耳目一新的“事件“现场，设计一场虚假的惊险，导演一出出催生欲望与想象的话剧。黑白照片、赤裸女人是牛顿作品的标志。或许有人感到很困惑，为什么牛顿的作品绝大部分是黑白照片，极少见彩照因为他是个色盲，但牛顿从不避讳承认这一点：他分不清黄绿和蓝绿，所以在他拍得彩照中多是鲜艳夺目的红色。3.最具影响力的20世纪时尚摄影大师盖伯丁法国著名时尚摄影大师盖伯丁(Guy Bourdin，19281991)被认为是20世纪视觉文化领域最大胆、最有创新精神的艺术家之一。上世纪70年代，他同赫尔穆特牛顿一起创造了世界上最具争议性、挑战性和最诱人的时尚摄影作品。盖伯丁为法国Vogue杂志所做的时尚摄影具有神秘性、催眠性、超现实主义，揭露了人类自然的需求，用非常罕见的形式展现时尚的内涵，从而征服我们。他的画面细心地描述了对人性的幻想，对不可获得事物的追求，对危险的暗示，高度的敏感性使他的时尚摄影打动了一代又一代的读者。他是一位对艺术、时尚、广告和生活都具有独特视点的卓越艺术家，是充满了幻想和自由想象力的人，通过对隐喻和现实矛盾的运用，与生命和死亡崇高而非理性的本质进行了深入的对话，他一生都沉浸在对人类行为的好奇之中，用极大的热情探索了人自我发出的真正内在声音和欲望的含义，并探索了作为每个人自身存在所具有的最普遍特质的理想化的美、脆弱和性别元素。在艺术上盖伯丁表现了一种特立独行的新颖视角；他技艺精湛、充满神奇魔力的影像作品激起了世界顶级杂志的兴趣。为了达到吸引读者再购置一双鞋子或一件衣服的目的，他成功地创造了一种配以含蓄叙述的图像，使之能够渗入观赏者存在于意识和潜意识中的欲望中去。盖伯丁在商业摄影和艺术摄影两方面的造诣及影响力在今天仍然持续地产生极大作用。他激进地改变了商业图片的形式和内涵，事实上已经超越了商业艺术的内涵，进而触动人们的内心深处。他的摄影作品打破了当时时尚摄影构成元素的界限，令人过目难忘，并在今天对时尚摄影仍然产生着激励和影响。经过40多年，到今天，还有人在无力地模仿着他的作品。4.完美主义的时尚摄影大师欧文佩恩说到著名的时装摄影家美国人欧文佩恩(Lrving Penn)相信无人不知，26岁时他被时尚杂志聘为专职摄影师。这位以严谨的工作态度和精雕细琢的摄影作品著称的摄影家，以冷峻、明快和非常现代的形象，一扫当时(20世纪50年代)时装摄影中的陈规俗套，为时装摄影开创了风格清新、个性鲜明的新潮流，确立了女性美在战后时装摄影中的新观念。在美国摄影界，佩恩自始至终贯彻着他在摄影上精雕细刻、一丝不苟的“完美主义”。他拍摄的照片细腻入微，严格的布局、丰富的影调，始终体现在他的照片中。他在选择胶片上，特别偏爱黑白，他认为黑白片在各方面都优于彩色片。每当想到他的那些不朽的作品时，脑海里立刻涌现出的形象全都是黑白的。第三节 时尚摄影的特点一、变化性时尚和流行意味着不断变化，时刻翻新。因此，时尚摄影也必须关注各种变化，追随各种新动向，反映各种新变化。这就要求拍摄者必须有开放、包容和接纳的心态，对新鲜事物充满探索的兴趣和持续的好奇心以及敏感性，一个心态和观念保守的人是无法成为成功的时尚摄影家的。主要时尚用品列举表1 首饰 项链、戒指、耳饰、胸针、手链，发饰、鼻环2 箱包 男包、女包、皮夹、旅行箱、小手袋3 化妆品 香水、唇彩、眉笔、眼影、睫毛膏、粉底、假发4 服装 西服、旗袍、风衣、沙滩衣、牛仔裤、皮夹克、晚礼服5 服饰配件 领带、领带夹、皮鞋、帽子、手套、皮带、披肩、丝巾6 时尚用品 眼镜、手表、钢笔、新款手机、卡片式数码相机二、时代性时代性是由摄影的时尚性衍生出来的一个特点。新和变化是时尚摄影的特点。换句话说，时尚也是很容易过时的。正是时尚的瞬息万变使得时尚摄影打上了鲜明的时代烙印。如文革时期、改革开放后的八、九十年代，时尚与流行的风向标全然不同。透过时尚摄影的时代性反映的是一个时代社会文化、社会心理和大众审美观的变迁。时尚摄影的时代性对拍摄者对当下的社会文化、社会心理和审美等深层次素养提出了一定的要求，并要求拍摄者对社会文化、大众消费和审美等方面的发展趋势有一定的预见性。三、商业性大众消费在一定程度上讲可以说是商业成功运作的结果，而商业成功运作的关键在于不断地推陈出新，制造时尚与流行。因此，时尚摄影多用于商业目的，比如为时装设计师宣传新的设计理念和时装款式，为厂家宣传新的化妆品、新手机等等。在科技不断进步、新消费品层出不穷的今天，时尚摄影在商业中越来越扮演着重要的角色，也使时尚摄影几乎与商业摄影划上等号。四、文化性时尚摄影具有鲜明的商业性，并不排斥时尚摄影的文化性。尽管时尚摄影总给人一种眼花缭乱的感觉，但正如前面所讲到的，时尚背后是大众心理和大众审美取向的深刻变化，这便给时尚摄影贴上了体现大众文化的标签。透过一个时期的时尚，我们往往可以看出当时社会的文化特点。第四节、时装摄影服装是大众生活的必需品，因此也就成了最能体现时尚特点的载体。不同地位、不同身份、不同品位和格调追求的人们也通过服装的个性化来体现自己的与众不同。服装是商家的利润，也是一面映射时代政治、经济和文化特点的镜子，当服装加上时尚时，服装就变成了时装。时装摄影可能用于服装品牌推广和建立品牌形象，也可能用于直接的商业宣传，多以平面媒体为呈现的载体。一、时装摄影的表现手法时装摄影的商业性决定了摄影之于时装，是手段之于目的。正如加拿大著名时装评论员斯多查所言，“时装是通过梦想来推销的”。商业宣传的目的就是放大商品的魅力，诱惑消费者并能引导消费。因此，对于时装摄影而言，什么样的表现手法是最好的，并没有统一的标准。任何有利于体现时装魅力、能对消费者形成强烈影响和暗示的手法都是值得肯定的。并且，时装摄影的表现手法历来是极富个性化的，不同的摄影师可以依据自己对时尚的理解，通过色彩、光线、影调等的变化，形成具有自己个性的视觉表达语言。从时装摄影诞生以后，其表现手法一直在不断地变化着，从当代西方的主流时装摄影来看，时装摄影主要可分为纪实型的时装摄影和艺术表现型的时装摄影。(一)艺术表现型时装摄影1.绘画风格的时装摄影时装摄影源起于19世纪五、六十年代的法国和英国，当时的时装摄影强调静态画面的造型，通过光影和色彩的搭配等，甚至借助传统绘画的艺术表现手法来体现时装的设计理念。这一类型的摄影通常在摄影棚完成，在拍摄前期要进行大量的准备工作，使被拍摄的对象首先具有艺术效果，然后再用照相机进行定格。一些时装摄影借鉴某些画派的画风作为时装摄影的表现风格，如美国时装摄影师史蒂文梅塞尔(Steven Meisel)拍摄的一组时装故事一段文艺复兴时期的罗曼史就是借鉴了欧洲古典主义的绘画风格，画面中农庄里婚礼狂欢的景象很容易让人联想到勃鲁盖尔的名作农民的婚礼。有些时装摄影甚至直接对某些著名的绘画作品进行模仿，借以表达摄影师对传统、社会和性别等的看法。如1998年秋冬季，伊夫圣罗兰的印刷广告就是直接对蒙娜丽莎、草地上的午餐等经典绘画的模仿和挪用。尤其是草地上的午餐的时装照片，人物布置和举止与绘画作品完全一致。唯一不同的就是人物的着装。2.超现实主义风格的时装摄影随着后现代思潮的发展，借鉴超现实主义风格，借助性、暴力和灾难等题材，通过最通俗的拍摄手法，制造一个个超现实的假象也被引入了时装摄影中、荒废的现代工业建筑、奇异的服饰、怪诞的表情与造型常常是这些作品中的象征和表意符号。德国摄影师大卫拉卡贝尔(David Lachapelle)就是一个典型的代表。如在他表现鞋的一组时装照片“Breath taking shoes”中，拉卡贝尔用了巨大的吹塑玩具作为模特的道具。其中一张表现的是傍晚时分，一只半个游泳池大小的吹塑龙虾入侵，泳池旁的女模特晕倒在地；还有一张是一只5人高的巨大汉堡压在了模特的身上，模特只有脚穿精致高跟鞋的两条美腿露在外面。这些使画面都呈现出荒谬可笑的风格。3.电影剧照风格(时装故事风格)表现时装故事风格的摄影方式是目前国外著名时尚杂志里图片非常流行的一种表达方式。电影艺术的意义之大，使得时尚摄影师也考虑在时装照片中运用电影制作的元素，平面的照片里面充满了故事的情节惊险、刺激、幽默、含蓄、浪漫等等，引人入胜。彼得林德伯格(Peter Lindbergh)是一位时装摄影师，也是知名的电视广告导演，近年来经常为意大利的Vogue杂志拍时装故事，由于涉足电视广告、纪录片的创意、导演工作，使林德伯格的时装摄影有对电影语言的运用、他非常擅长在时装故事中编造一个有始有终的故事情节，营造好莱坞大片般的现场气氛；时装模特像演员一样投入表演，使得整组照片仿若一场电影的重要发展情节的若干剧照。组照中侧重大场面的情节发展，并不拘泥于时装的细节表现，同时穿插一些中景和人物特写，有着动态影像般的韵律和节奏。(二)纪实表现型的时装摄影20世纪60年代，随着时装摄影的发展，一些希望标新立异的时装摄影师开始积极探寻新的时装表现手法。他们走出摄影棚，将时装摄影的场景拓展到了真实、自然而更为广阔的户外场景中，名胜古迹、大漠荒原、街头巷尾、市井生活场景的变换让时装摄影有了不同于以往的视觉元素，使时装摄影带上了纪实的味道。到了20世纪70年代，又有一些摄影师进一步将纪实摄影的故事性特点运用于时装摄影中，借助场景、动作和瞬间的镜头感，使时装摄影具有了情节性。这种时装摄影的拍摄手法在20世纪末到本世纪初发展到了登峰造极的地步。生活化的场景、近距离的夸张透视、银盐胶片的粗颗粒、非常规构图等带有浓郁后现代的特点经常展现在时装摄影中。有人将这一类作品总结为快照风格、纪实中的摆布和电影剧照风格。这种手法常为某些服装品牌公司和服装设计师用于确立、传播和强化自己所谓的品牌理念。纪实表现型的时装摄影主要包括以下两种风格：1.快照风格快照，是为了个人的直接记录或娱乐目的而随意拍摄下来的照片，如同每个人都有的纪念照。快照通常是手持相机拍摄的，它的特点是构图上的大胆取舍，不对称的透视及模糊，粗颗粒的影像素质，即摄影者对视觉影像的表面价值并不在意。而快照的这种不用特殊的专业技巧，不依托视觉常规而记录下来的瞬间直觉或反应，是其他视觉艺术所不具备的。摄影家罗伯特弗兰克、威廉克莱因和李弗里德兰德都在自己的作品中体现了这样的快照美学。这种摄影的基本表达特征被认为是摄影师能力的根源，这3位摄影家都很擅长用快照的方式表达他们对现代社会生活的真实复杂的感受。2.摆布式的纪实摄影风格如果说时装摄影的快照风格讲求的是没有摆布的真实、自然，尽可能地客观再现，那么一些时尚从业人士则追求在制造一个貌似真实情景的基础上，故意露出某些摆布的不调和的因素，创造出一个主观的真实情境。摄影师史蒂文克莱因在他的时装故事成衣报道中也有运用摆布的方法，在一系列机场候机室的照片中，一名模特在休息、等待、打电话或是照顾小孩，行为举止无异于其他路人。唯一不同的是照片中的模特全身被分别涂上黄色、蓝色和古铜色的颜料，使她们从人群中突现出来，尽管她们身着成衣，但由于皮肤色彩与他人有极大差别而使照片呈现诡异的风格。这种虚实之间、色彩之间的彼此对照，可以说是时装摄影师吸收了摄影自身的纪实语言，而又超越了摄影的纪实性。二、对时装摄影工作者的要求(一)对摄影师的要求时装是工业，是商业，也是艺术，时装摄影可以说是社会、商业和文化的视觉文本。当代西方时装摄影充分借鉴了纪实摄影、后现代摄影和绘画等诸多语言，紧紧抓住人性、道德、性别、流行等大众文化的关键词，施展浑身解数以求打动目标消费者。在一张时装照片中，时装摄影师必须满足不同的有关人士对此有不同需求：时装设计师想让衣服看起来很漂亮，艺术指导想表达出人意料的创意，杂志想推销广告和杂志本身，时装摄影师想出名，消费者则把它当作自身欲望投射的对象。人的各种基本需要都要在一张时装照片中得以解决。要想成为成功的时装摄影师，首先必须热爱时装，对各种新潮时装应该富有热情和好奇心，并有超出一般大众的敏感性和鉴赏力，关注时装领域的发展变化，而不应凭个人偏爱来评价新款式的时装。时装摄影师应在一款时装面世时就能以鉴赏的眼光发现它的独特之处。同时，摄影师还要根据所服务的客户使摄影作品确定相应的拍摄重点是突出服装的材质、颜色、图案，还是服装的造型、线条和意境；是突出服装营造出来的感觉，还是单纯地推销商品。(二)时装模特的选择推广一个时装品牌的成败有很大一比例是取决于摄影图片的质量，而直接影响图片质量的就是模特和摄影师。并且不同时装品牌有不同的设计理念和风格，选择能体现时装特点的模特是拍摄时装照片的重要前提。那么如何选择模特呢?对号入座才是关键，选择模特主要考虑以下几条基本的标准，真正操作时还需具体情况具体分析：模特的国籍、肤色：这是选择时装模特的第一步，模特是亚洲人、欧洲人还是美洲人，不同的地域反映着时装不同的代表风格和消费的对象。模特的身形比例、体型：不同的行业对模特的要求也不一样(袜业需要模特修长的腿部，内衣则需要协调的三围比例，洗发香波需要柔顺的头发，护手霜需要纤细并有骨感美的双手等等)。模特的脸形、发型和气质：这主要和品牌的个性有关联(品牌个性是典雅也好，是活泼也好，是性感也好，是时尚也好，都要对号入座来选择脸形气质)。模特的肢体语言能力：观察他们的头部、手部的倾斜度。因为是平面拍摄，所以模特只能用肢体语言来为品牌说话。模特的新鲜度：正如前文所说，现在是同质化的时代，所以我们最好选择一些新鲜面孔的模特，为品牌的识别增添一个有效的视觉符号。模特应该和时装的消费顾客群的年龄段、收入水平、职业等基本相近。选择一组模特儿时，要考虑到这些模特儿之间是否有关联、是否可以产生互动的可能性。三、时装摄影的3个步骤(一)前期设计人物时装摄影属于创意式的摄影，因此，前期的准备较之拍摄过程更重要。人物的选择与化妆，服装的选择、搭配与配饰，环境与场景的选择装饰和布置，姿态和造型的设计，灯光与色调的设计，拍摄角度的选择等等，都是很重要的细节，都是摄影表现中的语言。拍摄前还有一项重要的工作是与模特的沟通，因为模特是拍摄者思想观念表达和表现的载体。因此，模特的表现是否到位对于时尚摄影的最终结果起着决定性的作用。拍摄前，拍摄者应多与模特进行沟通和交流，用清晰的语言使模特理解摄影师的想法，并营造轻松愉悦的氛围。 (二)中期拍摄与模特的配合是时尚人物拍摄过程中的重要工作。两者的配合是否默契，会影响拍摄的进程和片子的效果。拍摄时，摄影师要既要善于敏锐地捕捉合适的镜头，又要善于巧妙而及时地把自己的意图传达给模特。这样既便于模特领会摄影师的意图，又能积极主动地发挥自己的主体作用。 (三)后期处理目前，数字暗房技术空前发达，为了更准确、鲜明地表达拍摄者的观念，还可以借助后期图像处理软件对拍摄的作品进行第二次创作。四、时装摄影中的背景和配饰服装的风格和特点常常可以借助合适的环境和场景，以及与之相协调的发型、妆容和配饰来烘托。因此，除了选择合适的模特，摄影师还要善于根据自己对时装风格和特点的把握选择合适的拍摄背景，并对模特的化妆和配饰给出具体的建议。以人物为主体的摄影，背景的作用十分重要，通过人物与背景之间的相互关系可揭示人物的内心世界。背景可能是多种多样的，有平面的，有纵深的，有室内的，也有室外的。如何借背景刻画被摄人物的性格特征，可从以下几方面来考虑：1.根据照片所欲阐明的主题来选择背景：譬如欲显示被摄者的工作特点，我们可把其工作现场作为背景，并采用现场自然光线拍摄，力求画面产生常态的气氛，把环境作为画面的一个重要组成部分，以环境来衬托人；又譬如为了刻画好艺术家的个性和其艺术成就，摄影师选择了一幅抽象画作背景，烘托出人物形象。2.假如照片反映的是人物的容貌、气质，那背景就应以简洁、朴素为佳。这样，就可以在很大程度上强化主体，使人物形象显得很鲜明、生动。3.根据背景的内容来选用不同的光圈：如果背景仅是用来作为一种有别于主体物的影调成分出现在画面中，就可以采用放大光圈的方法，让其在画面中模糊。如果背景是整体作品中一个有机的、重要的组成部分，通过它可以传达出许多有助于观众了解被摄者的信息，那应该采用收小光圈的做法，使背景的细部有相当的清晰度。4.在常规人像摄影中，有如下一些景致一般不宜充当背景：a景物零乱繁杂；b喧宾夺主的亮色块或者特别鲜艳的景物；c具有冷色调的景物；(因为当它反射到被摄物脸部时，会使人物显出一种病态的样子)d反差异常强烈的景物。五、不同面料的拍摄注意事项因为时装摄影照片多用于杂志和广告制作，因此，准确而逼真地再现时装面料的纹理、质感、亮度、图案和色彩，在时装摄影中也十分重要。体现不同面料的特点，用光的方法最为关键。纹理明显的面料：宜用集光斜射作主光，有助于质感的表现。同时还要用散射光作辅助光，把阴影部照亮些，以取柔和、悦目之效果。丝绸、绸缎面科：为了表现出丝绸、绸缎的闪光和耀眼的反光特征，宜采用强度较低的定向光源作主光。注意面料上反光的图形要具有悦目的效果。此外，再用23只散光灯作辅助光，减小反差，使画面呈柔和感。印花面料：印花面料要表现好花纹图案，通常宜采用较平的均匀照明，可从两侧45度方位照明。使用黑白片拍摄印花面料时，要注意滤镜的使用，防止原本对比醒目的色彩在黑白照片上产生反差过小的不良效果。纱类面科：拍摄纱类面料的时装要采用逆光并辅以正面光，掌握好光比，以准确再现纱类面料的透明感为目的。拍摄纱裙服饰时，可借助电风扇来取得飘逸的效果。毛皮面料：毛皮服装是较难拍好的对象。高档皮毛与低档皮毛的差异，在照片上往往难以区分。拍摄黑色毛皮服装时，要注意使用丰富的照明，除使用一两只聚光灯外，还宜使用多只散光灯。曝光要充足，否则无法再现皮毛的质感与细节。浅色或中间灰调毛皮时装，相对要容易拍摄些。第五节、时尚人像摄影时尚人像摄影属于商业人像摄影范畴中的一种，但摄影的主要目的是通过人像来传达某种时尚的信息或观念。时尚人像摄影并不是指婚纱摄影或者标准人像的拍摄，而主要是拍摄杂志和书籍封面的名人、关键人物，以及用于宣传某种商品的杂志和书籍封面的明星等等。但在人物时尚摄影中，仍然强调观念在先，人物只是传递和传达时尚信息的载体、语言和工具，时尚的信息和观念通过附着于人物形象上的细节(包括衣着和配饰)，人物的表情、妆色、神态或肢体动作中传递出来。在前面的时装摄影中，我们已经讲解了时装摄影的表现方法、背景和配件的选择，这些都和时尚人像摄影有着相同之处，此处不再提及。只不过在时装摄影中，模特服务于时装的表现，时装是主体；在人像摄影中，服装只是服务于人像的表现，人物是主体。在这里，如何让你的拍摄对象在拍摄的时候全身心放松便是人像摄影拍摄的关键和成功的秘密。一、如何让拍摄对象放松人像摄影另一个重要的方面是克服拍摄对象对照相机和灯光惯常的恐惧心理，这里的人物不像职业模特一样经过专门的训练。不少拍摄对象在镜头前，就会紧张得手足无措，如果不加以有效的引导，就有可能得到一张呆板造作或千人一面的人像照片。为此，应事先布置好相机设备和灯光，尽力使拍摄对象感到轻松自在，这样在开始拍摄前，你就有充裕的时间了解拍摄对象，使他消除疑虑。聊天有助于模特儿放松紧张的情绪，使你获得期望的真实、自然的人像。上乘的佳作还要进一步去捕捉人物的表情，以此刻画人物的性格和心境，最终产生奇妙无比、令人激动的人像。要使被摄者去掉拘谨的神色，关键是要分散他的注意力，使他忘记自己是在拍照，这样才有真情流露的可能。比如要消除人物不安的情绪，应该多加鼓励，增强他的自信心，如果他的姿态与表情不到位，也不要急于纠正，应在不断鼓励的过程中逐步加以引导。在引导的过程中，有时还可以找一些共同的话题一起闲聊，当他精神放松、神情专注时，最佳的拍摄时机也就到了，因为专注的眼神是最真实的，没有虚伪和陌生。二、脸部的放松在捕捉人物的神情时，常常牵涉到嘴部的表现力，也就是笑与不笑的问题。如果在拍摄时一味地要求被摄者“笑一笑，再笑一笑”，其结果与往使人物失去了个性。我们不排斥所有的笑，但作为肖像，我们追求的应该是常态的美，笑与不笑间，对任何人来说都是奥妙的，只要放松自然，真情流露，笑与不笑就都是次要的了。三、身体的放松身体的姿态造型也与神情表现密切相关，首先要求人体姿态尽可能放松，接着可以进一步引导。真情流露在于引导，而最后的成功在于捕捉。加拿大著名人像摄影家卡希曾说过这样的一段话：“人物内在的思想、精神和灵魂，有时会在一瞬间通过他的眼睛、双手和体态表现出来这就是需要紧紧抓住的、稍纵即逝的最重要的瞬间。”第六节 人像摄影的布光技巧人像摄影的光源有两种：自然光源和人造光源。专业影棚闪光灯是摄影棚中最重要的人造光源，是摄影棚塑造人物形象，表达拍摄主题的重要工具。充分认识人造光源的特性和要素，将有助于我们塑造出理想的人物形象，鲜明地表达出拍摄的主题。一、光的基本术语为了达到更好的艺术效果，我们必须学会对光线的运用，这就需要我们研究光的各种性质。(一)光质与自然光一样，“人造光”也有直射光和漫射光。这就是所谓的光质，也就是光的“软”与“硬”。自然界中，太阳直接投射到物体上的光是直射光；太阳“散射”到阴影里的光或是太阳从云层里“散射”到物体上的光则是漫射光。就影室闪光灯来说，直接投射到被摄体，不经过柔光箱“柔化”处理的光是直射光；经过柔光箱或雾化灯罩“柔化”处理的光是漫射光。光质还会影响到光线的明暗过渡。在夏天的室外我们常常会看到有些人像的脸部有一道明显的明暗交界线，其主要原因也正是由于光质“太硬”或是光线“太强”。当在摄影棚拍摄男性时，尤其是黑白人像，需要揭掉几层原有的柔光布，使光质显得“硬”一点，以更好地体现出人物的个性以及男性的阳刚之美，但对于拍摄温柔的女性则不太合适。另外，硬光与软光需要组合搭配，相辅相成，相得益彰。软光可作为硬光的辅光，因为软光不会产生明显的阴影与投影，使主光光效得到一种和谐统一的理想效果。(二)曝光值EV是Exposure Value日的略称，表示曝光值，它决定了胶片所受光线照射量的多少。“1+1EV”相当于快门速度放慢一步或光圈放大一圈，即1EV=快门的1步=光圈的1圈。只要快门及光圈同时做出相应的变化，可保持一定的EV值，照片维持在适合的曝光度水平。例如：“F8的光圈与1125秒的快门”组合与“F11的光圈与160秒的快门”组合，曝光度是相同的。因此在修正时用EV值来衡量，就会更容易理解。曝光值与光质没有丝毫的内在联系，曝光值大，光质不一定就硬；曝光值小，光质不一定就软。其中EV(曝光值)和AV(光圈优先)与光圈有关，TV（快门优先)则与速度有关。(三)光比光比就是光的比值(物体的不同位置有不同的光值，它们之间的比值就是光比)。光比应当从相机的取景器里观察，这样显得更为明确和真实。常规人像摄影，光比宜小不宜大。越平柔的光线，越容易把模特拍年轻(最好是1：1.5或是1：2，这主要得根据脸形而定。要是脸形很小，甚至可用大平光；要是脸形偏小，可用1：1.5的光比；要是模特脸形较大，光比相对也要大一些)。作为彩色摄影，一般不宜超过1：3的光比；最多不能超过1：4。而黑白艺术人像摄影，光比应该控制在1：4以上，光质以偏硬光为主。(四)光域光域就是光照的区域、光照的范围大小。研究光域主要是针对影棚的闪光摄影而言。如果是双人像或者三人像，光域必须大一点儿。光域的大小也会直接影响到光质的软硬度。光域愈大，光质愈软；光域愈小，光质愈硬。影室闪光灯光域的大小取决于柔光箱配置的面积大小。一般人像摄影的标准配置是：300瓦的灯具配70x100厘米的柔光箱，500600瓦的灯具配80x120厘米的柔光箱。要拍摄偏硬一些的人像照时，可适当缩小上述柔光箱的尺寸。(五)光位光位就是光的位置，这需要依据模特的体形而定。胖的模特与瘦的模特，其光位是不一样的。体形胖的，光位要高一些(略呈俯视状或完全俯视状)，体形瘦的，光位要低一些(两者大致持平)；体形胖的，需要用侧光或侧逆光，而体形较瘦的，顺光用得较多。二、光线方向的选择与调整光线方向，主要是相对于照相机镜头而言，或者根据观察者的视角而言，指光源位置与拍摄方向之间所形成的光线照射角度。光源位置和拍摄方向两者之一有所改变都可以认为是光线方向的改变。当摄影棚主光源落在被摄体不同的部位时，会产生出不同的视觉效果。可分为7种基本类型的光线：顺光、45侧顺光(斜侧光)、90侧光、侧逆光、逆光、顶光、脚光。(一)顺光顺光亦称“正面光”，光线投射方向跟照相机拍摄方向一致的照明。顺光时，被摄体受到均匀的照明，景物的阴影被自身遮挡，影调比较柔和，能隐没被撮体表面凹凸及褶皱，但处理不当会比较平淡，顺光照明的优点是影调柔和，同时还能很好地体现景物固有的色彩效果。有时在进行布光的时候，常常会把较暗的顺光用作副光或者造型光使用。顺光照明的缺点是不利于在画面中表现透视效果，画面空间立体效果较差。在色调对比和反差上也不如侧光、侧逆光丰富。(二)45侧顺光(斜侧光)光线投射水平方向与照相机镜头成45角左右时的摄影照明。在摄影创作中，常用作主要的造型光。这种光线照明能使被摄体产生丰富的明暗变化，很好地表现出被摄体的空间立体感，表面的质感和轮廓；并能丰富画面的明暗层次，起到很好的造型作用。(三)90侧光光线投射方向与照相机镜头成90左右照明，受侧光照明的物体往往有明显的阴暗面和投影，对模特的立体形状和质感有较强的表现力，缺点是，往往形成一半明一半暗的色调和层次，这就要求在拍摄构图上考虑受光面和阴暗面的比例关系。(四)侧逆光侧逆光亦称反侧光、后侧光，光线投射方向与照相机拍摄方向大约成水平135的照明，侧逆光照明下的模特，大部分处在阴影之中，模特被照明的一侧往往有一条亮轮廓，能较好地表现模特的轮廓形式和立体感。利用侧逆光拍摄模特近景和特写时，一般要对人物做辅助照明，以免脸部太暗，但对辅助照明光线的亮度要加以控制，不能影响侧逆光照明效果。(五)逆光逆光亦称背面光。来自被摄体后面的光线照明；由于从背面照明，模特全部处在阴影之中，只有模特的轮廓，所以又称作轮廓光。逆光有正逆光、侧逆光、顶逆光3种形式。(六)顶光来自被摄体上方的光线照明，在顶光照明下，模特的水平面照度大于垂直面照度，亮度间距大，缺乏中间层次。在顶光下拍摄人物，会产生反常的、奇特的效果，如前额发亮，眼窝发黑，鼻影下垂，颧骨显得突出，两腮有阴影。如果用辅助光提高阴影亮度形成小光比，也可获得较好的造型。顶光包括顶顺光、顶光、顶逆光，前两者照明效果相似，后者与逆光效果相似 (七)脚光由下向上照明的光线 在前方的称为前脚光，这种造型光线形成自下而上的投影，产生非正常的造型、常被用作表现画面中的光源，如油灯、台灯、篝火等自然照明效果；或者用做人物面部的修饰光使用，用以刻画特殊人物形象、特殊情绪，渲染特殊气氛。 在模特背后的脚光称为后脚光，这种光线照别人物的头发尤其是女人的长发或者服装的细节，有修饰和美化的作用，在摄影棚的拍摄中常作为一种效果光使用。三、人像摄影的布光技巧摄影棚人像摄影有一个最基本的布光法则：要以具体人物神态的刻画为依据，且因人而异；光效必须明确统一；光线处理要为表现人物的形貌、个性、气质、神态以及营造画面的气氛情调服务，切不可为光效而光效。安排好模特以后，关闭影棚的照明灯。最先布置的是主光，然后是添加辅助光，基本调整好以后，关闭里面的造型灯光，再设置背景光、轮廓光，添加眼神光，后添加修饰光或强调光。布光时要从相机取景器里观察布光效果，这比你直接观察的效果要好些，因为这种方法更加接近于拍在胶卷上的最终效果。待布置完上述的灯光后，应当再根据整体效果进行光的局部和人像造型的局部的修饰与调整。（一）布光的注意事项1.摄影灯的多少摄影棚拍人像用几个灯最合适，灯是否用得越少越好，这个问题不能够简单地定义。用几个灯首先得看拍摄题材的需要，用灯的多少与照片的拍摄质量并无内在联系。从根本上讲，关键得看拍摄的最终效果是否符合你的要求。常规情况下拍摄人像，通常需要有4个灯：背景灯一个、左右主辅灯各一个、底灯一个。2.影调与主题的问题若要表达一个明快活泼的主题，应以顺光或前侧光，小光比，甚至大平光为塑造手段；若要表达一个深沉肃穆的主题，则需要用侧逆光，甚至逆光，用尽可能大的光比来完成拍摄的主题，光质也应当以硬光为主。3.因人布光要根据模特的外形及气质来决定如何布光。外形及气质较好的模特，应当多讲究光比与层次，讲究光影修饰，片子的密度相对要做得高一些，片子上的层次尽量丰富一点。4.因脸布光如果模特脸部有瑕疵，或是脸部的皱纹较深，而又要想除皱变年轻，就应当用柔一点的光，贴近被摄者，使曝光过一点；若是模特脸形上存在着某种生理缺陷，就应当利用光影的明暗来予以掩盖。5.灯法多变系列的人物摄影照片，一定要灯法多变，切忌灯法单一。比如穿插一些侧逆光，甚至逆光，也可以用轮廓光修饰造型等等(视具体条件而定)。综上所述，摄影布光是一个庞大的系统工程，事关方方面面。必须有一定的艺术素养，以及掌握对画面的控制能力，才能拍出个性鲜明，具有艺术感染力的摄影作品。（二）布光的方法人像摄影的布光既是一种基本功，又是体现摄影师水平高低的重要内容。与调度人物的姿势、安排道具和选择背景相比，布光在最终完成的摄影作品上起决定性的作用。我们常提到摄影室的布光，就自然地会说到7大样：主光、辅助光、背景光、轮廓光、眼神光、修饰光、强调光。1.确定主光主光即决定被摄者照明格局的首选灯光，而其他的灯光则只能起到辅助作用。在所有的光线中，主光的地位非常重要，它在刻画人物形象上占据着最为显著的地位。影室所用的主光是由柔光灯箱发出的。柔光箱发出的光线较为均匀，便于控制。所谓的柔光箱，是把一只或数只灯泡放入一个箱体里，通过能使光线散射的柔光箱罩(一般由塑料或纺织品制成)对被摄者照明，箱体越大，灯泡越多，功率越强，照明范围就越广。其照明的距离和角度可根据需要进行任意调整，而曝光量的确定就以主光为依据。主光所勾勒出的光影效果要恰如其分地表现出人物的外形和气质，光斑(人脸部反光造成的亮点)不能太碎。光斑太碎往往是由于光线投射的角度出现问题，常规下人物脸部和柔光箱的平面应当成平行状，这样可以减小大眼袋或笑沟的阴影。此外应当注意的是，主光在被摄者脸部所形成的明暗分界线应当有助于美化人物的脸形，这条线务必要处理得当。2.添加辅助光辅助光也叫补光，它的作用就是对阴影进行补充照明，使阴影变得浅淡。补光所用的是与主光同样的柔光箱。通过照明距离或输出功率来调整它与主光的光比。如果补光的曝光比主光少3档光圈，其光比就是1：3，其结果将得到较深的阴影。如果补光的强度接近主光，比如相差半级光圈，那么阴影部分就变得非常浅淡。如何才能使补光取得与主光的最佳光比，是需要反复进行试验的 人像摄影如果用单灯拍摄，在相机附近处的某个暗部还需要设置块反光板，以作为辅光。如果辅光所用的是类似于主光的灯具，就应当注意防止产生第二道阴影和投影。具体的举措是，辅光的亮度必须要低于主光的亮度，常规的光比最好控制在1：2或是1：3左右。在拍摄艺术人像照时，为了更好地刻画出人物的个性，主光的光质常常用得比较硬，但辅光必须用软光，这样就可以避免产生主光以外的投影，使影纹变得丰富而细腻。这是调控辅光应当注意的重点。3.设置背景光在大多数情况下，被摄者都与背景拉开一定的距离。当拍摄时没有对背景进行单独照明，而主光源的照明随着距离的增加而明显地减弱，因为背景比被摄者距离主光源更远，所以背景的亮度要比被摄者暗许多，拍摄的结果是被摄者看起来如同融入黑暗的背景之中。如果想把被摄者同背景区别开来，则有必要对背景进行单独照明，于是就有了所谓的背景光。背景光的运用要照顾到背景的色彩、距离和照明的角度等等，搞得不好就会弄巧成拙，因此，需要对背景光进行反复调整才能用得恰到好处。为了均匀地照明一个无缝的背景，有时会需要使用两盏灯。染色背景不要打背景光，喷绘背景打背景光时要注意和主光的光向保持一致，同时还要防止背景光的折反射扰乱主体。4.设置轮廓光轮廓光以前叫头发光，由于人像摄影技术的发展，所谓的头发光已由原来投射到头上的不那么自然的一束聚光，逐渐演变成为一只或多只更加宽广而柔和的轮廓光，不仅使头发避免成为漆黑一团，而且还能勾画出被摄者的轮廓，因而它又被称为“分离光”。这种用光方法现在已经使用得相当普遍，为此目的采用的是小型柔光灯箱或条型灯具。这种头发光还可以采用把一束灯光通过天花板反射的办法来实施，不过要注意控制布光范围，如果照射到鼻子上就不好看了。轮廓光也并不适合于每一位模特，这是由轮廓光的基本特性所决定的。轮廓光具有假定性与浓重的装饰性意味。一般应选择于人物最富魅力的部分，比如一头飘柔的秀发，或是秀丽端庄的脸形，或是富有优美曲线的身段等。轮廓光若是用得不当，反而会弄巧成拙， 强化了人物的某些缺陷。5.添加眼神光拍摄人像时，不论运用什么光源，只要位于被摄者面前而且有足够的亮度，就都会反射到眼睛里，出现反光点，从而构成眼神光。一幅人像照片是否富有神采，能否体现模特的气质，其关键是眼神光的处理。拍摄正面像时，可以利用辅光来刻画眼神；拍侧面像时，就得依靠主光来刻画眼神。眼睛中显示的反光点，在形状、大小和位置上总是不同的。例如：在室内拍摄人像，光线从远离被摄者的窗户照射进来，他的每只眼睛里就会出现明亮的窗影；利用照相机上的闪光灯，就会在眼睛中央造成细小的白点；而使用反光罩或反光伞，就会形成一个反射区，这种反射通常偏向一边，刻画眼神，要尽量避免在眼睛里出现两个甚至两个以上的光点。因为两个以上的光点，容易导致散神，甚至失神，而一个光点更能使眼神聚焦。眼神的光点不宜点在瞳孔的正中位置，也不能点在眼白处，应当稍微偏离瞳孔的正中位置，一般点在瞳孔的上半部分较好影室内可以利用主灯造型光的高度升降来调整瞳孔中的亮点；若是户外的自然光照明，就可以利用反光板之类的辅光来调整瞳孔中的光点位置。刻画眼神最忌讳的是光点的偏低，因为这类眼神会令人产生一种恐怖的联想，使主体人物的神情失态。各种眼神光的效果是迥然不同的：明亮细小的光表现愉快，范围较大的光显得柔和，而没有照明的眼睛则宛如深潭。眼神光应当是平衡的，不能使一只眼睛有光而另一只眼睛没有光。用作眼神光的光源并不需要很强的功率，但必须注意要同环境协调。6.添加修饰光修饰光的主要目的是对模特的某些局部或细节进行小范围的光线装饰；修饰光与辅助光的不同之处是它不以提高暗部亮度为目的，而是弥补主光、辅助光、背景光和轮廓光等在塑造形体上的不足。修饰光的布光一般不宜过强过硬，过强过硬容易产生光斑而破坏布光的整体性与完美性。7.添加强调光强调光是布光的最后一道任务，有些像我们画水粉画时最后的点高光。在摄影里，它的功能是为模特增添一点亮色和精彩，突出被摄者的形态并增强立体感，或者引起人们对被强调光照明部分的注意。在摄影棚中这种光通常都是未经散射的很小范围的强硬光。强调光的光线强度没有严格的规定，不同的摄影师所追求的效果不同，甚至完全可以不用。在使用中，我们还可利用一面镜子把其他的光源例如一只便携式闪光灯，反射到画面中，起到点缀的作用。为了获得最佳效果，强调光通常从被摄者的侧后方发出，有时会射入镜头反而破坏了照片的效果。因此为了确保镜头不受眩光影响，在强调光与镜头之间应放上用黑卡纸做的遮光片。此外，运用强调光可以增强人像的戏剧性和立体效果。上述的7种照明是人像摄影用光的基本方法，根据需要可以灵活应用，既可以同时使用四五种或两三种，也可以只用主光加上反光板。最后，需要强调的是在以上布光过程中，由于光是按照先后顺序逐个添加的，后一种光很可能会对以前的光效产生影响。因此，在布光完毕后，还需仔细审视整体光效，如布光有无明显欠缺或不合理的地方，投影的浓淡是否合乎要求，位置是否合适，各个照明灯是否出现干扰，有否多余的光线进人画面等。（三）人像摄影中的几种特殊用光法1.伦勃朗式用光伦勃朗布光也称为活动天窗布光，因为画家伦勃朗在他的画室房顶上开了一个天窗让阳光进来，在此光线下的模特儿变得异常优美，特别是在鼻子的一侧产生了钻石形状的光域。伦勃朗用光法较多地用于男性形象，表现一种刚毅或者神秘有力的个性特征，但并不代表不适合拍摄女性，这种用光与正常的用光方式不同，离开照相机的模特脸部的一边被照亮，而朝向照相机的模特的另外一边脸却在阴影之中。采用45的前