最新人教版美术六年级上册《中国画和油画》教学设计

最新人教版美术六年级上册中国画和油画教学设计课堂类型： 欣赏 评述课时： 2 课时教学目标：1、知识目标：让学生们了解绘画的发展史和绘画的表现技法。2、能力目标：增强学生们的知识和对美学的认识 , 提高他们的审美能力。3、德育目标：培养学生通过欣赏艺术作品去发掘艺术的真谛。教学重难点：1、绘画工具都有哪些？各种不同的画法都能体现什么样的思想感情。2、每幅美术作品都有一定的喻意, 它的涵义是什么？3、画作表现的是怎么样的思想感情。教具学具 ：课件、课本教学过程：一、组织教学：二、讲授新课：（一）导入:把自己准备好的国画作品展示给同学们看, 把他们的目光吸引过来。接下来看过作品后大家都知道那些是国画哪些是油画 , 问一问同学们想不想知道？今天我就来告诉大家。2、新授:（ 1）分别的介绍作品的内容和具体要表现的含义。（ 2）如果你是作者你会把画面设计成什么样子的呀？你都想在画面上画什么呀？三、引导创新、应用实践通过今天的美术课大家都掌握了什么知识 , 要想表现作者不同和心里情感。我们应该用怎样的方向尝试用不同的角度去思考问题。如果我要画一幅作品 , 我应该怎样去体现。四、反思小结让同学们自己去总结作品 , 用自己的观点去解释同时在掌握了最基本的绘画的工具和分类外我们更应该进一步的去挖掘更加深刻的东西。五、研究性作业：同学们在了解绘画的同时让他们自己去书店或家里找一些有关绘画的书籍 , 去总结其创作意图。教学随笔：通过本节课的学习 , 让学生们了解绘画的发展史和绘画的表现技法。增强学生们的知识和对美学的认识 , 提高他们的审美能力。培养学生通过欣赏艺术作品去发掘艺术的真谛。附：画：传统绘画的主要种类。画在古代无确定名称 , 一般称之为“丹青” , 主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为画 , 简称“国画”。它是用所独有的毛笔、水墨和颜料, 依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。画按其使用材料和表现方法 , 又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。画的画幅形式较为多样, 横向展开的有长卷（又称手卷）、横披, 纵向展开的有条幅、中堂 , 盈尺大小的有册页、斗方 , 画在扇面上面的有折扇、团扇等。画在思想内容和艺术创作上 , 反映了中华民族的社会意识和审美情趣, 集中体现了人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。画的历史发展：画历史悠久, 远在 2000 多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画帛画 , 这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期 , 社会由稳定统一到分裂的急剧变化 , 域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合 , 使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面, 描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例 , 山水画、花鸟画亦在此时萌芽,同时对绘画自觉地进行理论上的把握, 并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣, 绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟, 宗教画达到了顶峰, 并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主, 并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣, 人物画已转入描绘世俗生活, 宗教画渐趋衰退, 山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展, 极大地丰富了画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展, 文人画成为画的主流, 但其末流则走向因袭模仿, 距离时代和生活愈去愈远。画自 19 世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。国画形式：字画的形式多姿多彩, 有横、直、方、圆和扁形, 也有大小长短等分别 , 除壁画 , 以下是常见的几种。中堂：旧式房屋, 天花板高大, 所以客厅中间墙壁适宜挂上一幅巨大字画 , 称为“中堂”。条幅：成一长条形的字画成为条幅, 对联亦由两张条幅配成。条幅可横可直 , 横者与匾额相类。无论书法或手绘, 可以设计为一个条幅或四个甚至多个条幅。常见的有春夏秋冬条幅。各绘四季花鸟或山水 ,四幅为一组。至于较长诗文 , 如不用中堂写成, 亦可分裱为条幅, 颇为美观。小品：所谓小品 , 就是指体积较细的字画。可横可直, 装裱之后 , 适宜悬挂较细墙壁或房间 , 十分精致。镜框：将字画用木框或金属装框, 上压玻璃或胶片 , 就成为压镜。现代胶片有不反光及体轻的优点。至于不反光的玻璃 , 不会影响人对画面的欣赏 , 所以很受欢迎。卷轴：卷轴是中手绘的特色, 将字画装裱成条幅, 下加圆木作轴 , 把字画卷在轴外, 以便收藏。扇面：将折扇或圆扇的扇面上题字写画取来装裱, 可成压镜。由于圆形或扇形的形式美丽, 所以有人将画面剪成扇形才作画 , 然后装裱 , 别具风格。册页：将字画装订成册 , 称为册页。近代有文具店特别将装裱册页成本 , 以供人即席挥毫。册页可以折叠画面各成方形, 而与下列长卷有不同之处。长卷：将画裱成长轴一卷, 成为长卷 , 多是横看。而画面连续不断, 较册页逐张出现不同。斗方：将小品装裱成一方尺左右的字画 , 成为斗方。可压镜, 可平裱。屏风：单一幅可摆与桌上者为镜屏, 用框镶座 , 立于八仙桌上 , 是传统装饰之一。至于屏风, 有单幅或摺幅, 可配字画 , 坐立地屏风之用。手绘材料：字画可写在纸、绢、帛、扇、陶瓷、碗碟, 镜屏等物之上 , 常见的有下列几种 , 壁画不入其列。绢本：将字画绘制在绢、绫或者丝织物上 , 称为绢本。古画卷本虽多但易被虫蛀, 亦被折损 , 反而纸本更易保存。绢本看起来较名贵, 但底色不及纸本洁白。由于绢本绘画前准备功夫较多 , 故不及纸通行。纸本：字画用纸大致可以分为两种 , 一种容易受水的是生宣 , 生宣加了矾水就不易受水, 是熟宣。壁画：古人在墓穴、洞穴、寺壁、宫廷等绘制大幅壁画 , 不少的壁画遗留至今 , 成为国宝。折扇：古人扇画多较细小 , 以便携带。但现代人多用巨型扇画做室内装饰物 , 所以较古人更为实用。圆扇：圆扇多呈圆形或椭圆形, 面积不大。但也有绢本、纸本之分。古代宫廷用的大扇或者掌扇 , 大至高于人齐, 现在很少见。陶瓷：花瓶、杯、碟、镜屏等器皿, 亦有字画制作, 所用颜料及制法不同 , 但字画原理及欣赏不变。器皿：除瓷器外, 如日历、灯罩、鼻烟壶甚至现代领带及衣物等, 亦有以字画作装饰, 而且十分流行, 别具一格。西方盛行的圣诞卡等, 用字画作图案者甚为普遍。工笔：就是运用工整、细致、缜密的技法来描绘对象。工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象 , 不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的 , 宋代画家李公麟把它发展成独立的画种 , 他的白描如行云流水, 变化无穷丰富 , 有很强的表现力。他画的五马图 , 人和马都用单线勾出 , 比例准确 , 肌肉骨骼的结构清楚, 甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来, 动态极为生动 , 是古代第一流的白描作品。工笔重彩, 就是指工整细密和敷设重色的画。在绘画的早期 , 工笔重彩占有主要的地位。湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的工笔重彩, 特别是轪妃墓的 T 形“非衣” , 构图巧妙 , 线描精细 , 设色绚丽 , 显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料, 因此称绘画为“丹青” , 由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。写意画：是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨 , 画出对象的形神 , 来表达作者的意境。据传唐代的时候, 玄宗命令画家李思训和吴道子, 一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的 , 他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水, 这可以想象, 他不可能用工笔重彩的技法来画 , 一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。到了宋代, 苏轼提出“士人画” , 主张画画“不求形似” , 而应写情寄意, 以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅枯木图 , 画一株枯树、一块顽石 , 石后露出一、二枝竹子, 树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情 , 但大书法家却给以极高的评价, 说枝干“虬屈无端倪” , 石“亦怪怪奇奇 , 如其胸中蟠郁也”。元代以后 , 笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。油画：用透明的植物油调和颜料, 在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲 , 到近代成为世界性的重要画种。产生15 世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时, 许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上 , 用亚麻油和核桃油作为调和剂作画, 致使描绘时运笔流畅 , 颜料在画面上干燥的时间适中 , 易于作画过程中多次覆盖与修改 , 形成丰富的色彩层次和光泽度, 干透后颜料附着力强 , 不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作, 在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开, 尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。油画的主要材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。颜料 , 分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料, 由手工研磨成细末, 作画时才进行调和鼻衄内。近代由工厂成批生产 , 装入锡管 , 颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关 , 调色时 , 化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而, 掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。 画笔 , 用弹性适中的动物毛制成, 有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。画刀 , 又称调色刀 , 用富有弹性的薄钢片制成, 有尖状、圆状之分, 用于在调色板上调匀颜料, 不少画家也以刀代笔, 直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理, 增加表现力。画布 , 标准的画布, 是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后 , 用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子 , 或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定, 也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布, 容易形成统一的画面色调 , 作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后 , 不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。 上光油 , 通常在油画完成并干透后罩涂上光油 , 保持画面的光泽度防止空气侵蚀和积垢。外框 , 完整的油画作品包括外框, 尤其是写实性较强的油画 , 外框形成观者对作品视域的界限, 使画面显得完整、集中 , 画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成, 近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来, 艺术家在实践中创造了多种油画技法, 使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技法有：透明覆色法, 即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色, 由于每层的颜色都较稀薄下层的颜色能隐约透露出来, 与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色, 就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果 , 这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感, 尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化 , 令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄 , 制作过程工细 , 完成作品的时间长, 不易于表达画家即时的艺术创作情感。不透明覆色法, 也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌然后用颜色多层次塑造, 暗部往往画得较薄, 中间调子和亮部则层层厚涂 , 或盖或留 , 形成色块对比。由于厚薄不一, 显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别, 画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时, 用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体, 增加画面色彩的饱和度。19 世纪以前的画家大都采用这两种画法, 制作作品的时间一般较长, 有的画完一层后经长期放置 , 待色层完全干透后再进行描绘。不透明一次着色法, 也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后 , 凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色, 基本上一次画完 , 不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚 , 色彩饱和度高 , 笔触也较清晰, 易于表达作画时的生动感受。 19 世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果 , 必须讲究笔势的运用即涂法 , 常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩, 适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔 , 笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料, 有的形成高达数毫米的色层或色块 , 使颜料表现出质地的趣味, 形象也得到强化。作为一种艺术语言 , 油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素, 油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来, 油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容, 又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期 , 不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约 , 呈现出不同的面貌。油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。 15 世纪的欧洲文艺复兴运动中 , 人文主义思想出于对宗教的批判 , 有着关注社会现实的积极要求, 许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作 , 开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘 , 使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素 , 有的画家完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念 , 即不仅注重作品要描述某一事件或事实 , 还要揭示出事件或事实的前因后果, 于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时, 画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等, 形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间 , 画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下 , 形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善 , 是因为工具材料的限制 , 而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而 , 古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果 , 但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重, 形成了不同的风格。文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用, 画中景物的暗部统一笼罩在阴影中 , 明暗交界线呈柔和的过渡, 造就了画面集中而浑然的效果。1.达芬奇的岩间圣母是这种风格的代表。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部 , 景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡,r. 康平的三叶祭坛画受胎告知就细致地呈现室内外的所有景物。意大利的提香是第1 个特别注重油画色彩表现力的画家, 他在暗底子上作画, 并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调 , 透明颜料的多次复叠 , 忽厚忽薄的笔法, 又使色彩与形体有机溶合, 造就出质感效果。17 世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期 , 不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质 , 在油画语言上进行了不同的深向探索 , 油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富 , 并形成了各国、各地区的学派。油画的发展在19 世纪有了新的趋向 , 主要是油画色彩的变革。法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果, 以色光混合原理解决油画的色彩问题。从 19 世纪末叶开始 , 西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和 , 因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则 , 艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然, 而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介, 以想象、幻想等方法构造作品。在 20 世纪油画中 , 由不同的艺术观念形成了不同的流派, 并制约艺术形式呈现多种倾向 , 传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化 , 甚至被推向极端, 油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁, 相继更替 , 只要以油画工具材料为造型媒介 , 艺术家可以创造任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大, 导致油画材料与其他材料相结合, 产生了不归属某一具体画种的综合性艺术, 油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。15 / 9