美术升大班画画方法.doc

怎样画动态速写 熟的动态速写技术是画家成熟的标志。人体的动态速写要求画者不但要具备较高的造型能力和整体意识，还要具有敏锐的感受能力和熟练运用解剖知识的经验。但是我们不能因此而说，动态速写的学习要放在基础训练完成以后，相反我们应该在基础素描训练的同时进行动态速写练习。在欧洲，人物速写被当作主要的造型训练手段，现在国内有些地方从儿童阶段就开始培养人物速写的能力，也起到了很好的效果。 动态速写与静态速写有很大不同，在随时变化的对象中，你无法用反复观察的方法捕捉对象，也无法用事先准备好的方法表现对象，动态速写依靠的是对对象动作变化过程中动态的“选定”和对选定动作的感受和记忆。 “选定”是动态速写特有的技术。选定是指画者对活动的对象瞬间动作的特定选择，也就是速写者面对自由活动的对象人物，在对象一系列动作中选择最有造型意义的瞬间动态。动态速写动作的选定该符合两个条件，一个是选定的动作要有“造型性”；另一个是动态要具有美感，两个条件缺一不可。比方说，我们在选定一个人跑步动作时，要选定最能体现速度、力量和矫健意味的动态，也就是腿部跨度最大、手臂摆动幅度最大的动态，假如我们选择了手脚重叠时的动态，画出后的效果就会像是走路而不是跑步了。 对选定动态的感受和记忆也是非常重要的，这是个一次性过程，而不像素描那样可以多次反复地进行。这种一次性记忆必须是感受性的，如果失去了感受性的记忆，我们所画出的动作可能会流于公式化、概念化。只有凭借对特定动作感受的特殊性，再辅之以对人体解剖知识的了解我们才有可能画出诸如疯狂的跑或悠闲的跑等等避免雷同的作品。在实际操作中，我们仅靠瞬间的观察来完成一幅特定动态速写作品是不可想象的。我们必须依靠对这个特定动作的一般性经验和相关知识记忆补充，才能完整地完成作品。 要在动态速写训练中做到上述要求，必须学会“抓住”和表现“动态线”。动态线是人体中表现动作特征的主线。动态线一般表现在人体动作中大的体积变化关系上。人物侧面时，动态线往往体现在外轮廓的一侧；当人物正面时，动态线会突出于脊椎和四肢的变化。抓住动态线对于画好动态速写是至关重要的。如何画好动态线呢？我们应该注意以下几个方面： （1）动态线是由人体动作变化产生的，它是外形上最明显、衣服与身体贴得较紧的部位。 （2）画动态线时，要抓住大的部位，抓关键的动势并注意动态的重心。 （3）动态线是非常简练的线条，要根据动作的复杂程度决定动态线的多少，在每个动作中，主要的动态线仅有一条，其他的是动态辅助线。 （4）抓住人体的各个关键部位的结构关系，如头与肩、手臂与躯干、骨盆与腿、大腿与小腿的关节和小腿与脚的结合处。 动态速写的作画步骤是： （1）认真观察动态对象，选定典型动态，集中精神，全力完整地感受动态特征。 （2）迅速画出主动态线和动态辅助线。 （3）凭观察或记忆画出体积关系。 （4）迅速画出表现动势的衣纹。 （5）凭观察和解剖知识填补细节。 （6）按照画面结构要求调整形式节奏。 （7）刻画头部完成。 作为初学者，开始画动态速写是有一定困难的。初学者在刚开始画动态速写时可以选择重复性强的动态对象进行练习，如拉锯、铲土等，待技术熟练积累起经验以后，再进行诸如舞蹈、体育方面的动态练习。动态速写是一项需要付出极大努力和培养专业精神的训练课程，只有常年坚持不懈地刻苦训练，才能练就一手动态速写的硬工夫，为将来创作出优秀的艺术作品打下坚实的基础。怎样画风景速写 风景速写主要表现自然中的天、地、物三大关系。自然界的一切事物均发生在这三大关系中。在风景速写中，它们表现为对比关系，三大关系之间的描写手法要尽量区别，运用不同的线条，表现对它们的不同感受。 从我们的感觉上讲，天空是空旷深远的，地面是连绵平坦的，物体是参差繁茂的。从造型的结构上讲，天是倾斜的，地是水平的，物是垂直的。我们的视觉中的一切形态都被安排在这三层关系中，受这三层关系的制约，尤其是造型上的透视比例变化。 一、如何表现天空 天空往往是风景速写画面中占面积较大的部分。天空的表现对象主要是云，云是飘浮在空中的水蒸气体，它的特点是漂浮不定，变化无常。云是天空中惟一可以施展造型手段的因素，所以云的表现决定了天空的造型质量。在描写云时我们应该注意以下几点： （1）要表现云的体积。在外形上要注意转折，在体面上要注意明暗层次，前后关系可以用重叠手法来表现。 （2）要表现云的形状。云的造型是一些弧形的团块，要注意区别外形上的弧度、大小和间距，还要注意它轮廓的虚与实。 （3）要表现云的透视。云的透视感是非常强的，这种透视是表现空间关系的主要手段，要注意云整体的透视大小变化，还要注意反映云的体积感的透视变形。 （4）要表现云的运动。云受风的作用不断变化和运动，这种变化是有联系的，要注意表现云的连接方式；云的运动是有方向的，要注意它方向的一致性。 天空的造型除了云的变化，还有一种大气的透视变化。这种变化产生的原因是空气中所含杂质受光后折光率受密度的影响造成的。这种变化主要表现为明度变化，依据光线方向的不同，明度变化的方式也不同。当景物为顺光时天空的上部暗，接近地面的下部亮；逆光时天空的上部亮，下部暗。 表现天空的明暗，还要注意天空与云的明暗衬托关系和云与地面物体的对比关系。云的洁白要靠天空的灰度来衬托，地面物体的亮度也要靠天空的灰度来对比反衬。 天空的表现性是很强的，它赋予线条极大的可能性。朗朗乾坤和急风骤雨都依靠线条的造型来表达。这种线型变化也为表现画者的主观感受带来了条件。因此，在描写天空时，画者可以充分表达自己的情感感受。 总之，天空是风景速写的三大部分之一。天空的空间感与地面和物体的透视关系相协调，天空的动感与地面和物体的静态相对立，因此天空的表现手法应该与其它两大部分相区别，线条要流畅，明暗要轻捷。天空不但可以烘托画面的气氛，还可以表达画者的主观感受，因此不要忽视对天空的描写。美术高考色彩写生的应试技巧和三个关键阶段 有一定的专业训练并有一定基础的考生在考场上如何正常发挥、施展自己的才华，是一个值得关注的重点问题。因为很多考生在平日里有较强的绘画写生能力，在考场上却表现得手忙脚乱，无法正常发挥水平，以致考试成绩没有体现自己的专业能力，这是十分令人扼腕的。 能否出色地发挥水平与考生的心理素质及在考试的限定时间内采用正确和有序的作画步骤密切相关。 首先，进入考场前要保持一份平常心，如同日常训练写生那样让心情放松，同时要有自信心，在限定的时间内写生，要合理地分配时间，明确各时间段所必须完成的工作。具体来说，有序的作画步骤、有条不紊的作画状态都是正常发挥原有的专业水平与能力的有效保障。 严格而有序的作画步骤对每个考生来说应该融入平日的写生训练之中，考场限定时间的写生实际上是这种工作方式的压缩和查验。作画步骤对作品的成败具有关键作用。特别是初学的考生，更应掌握。 在色彩写生时无论每个人的习惯与偏爱如何都必须遵循绘画艺术的基本规律：即从画面的构图布局定位到整体表现，从重点深入再回到整体调整这样一个表现过程。惟有如此，你的作品才不会给人以琐碎无序、平均杂乱的感觉。 下面我们根据四小时的考试时间将色彩写生过程划分为三个阶段，使考生明确考试时间各阶段的首要任务及前后连贯性的有序关系。 色彩写生的三个关键阶段是：大体铺色阶段、深入表现阶段和整体调整阶段。这三个阶段是有机地互相联系的，不能机械地理解。 第一阶段：大体铺色阶段。这个阶段包括构图布局安排，确定单色结构轮廓稿。静物写生构图是根据具体物体及作画者的角度确立横幅或竖幅画面的，构图一般多为三角形构图、复合三角形构图、椭圆形构图等等。三角形构图应避免等腰三角形，因为这样画面会显得呆板。确定了构图后，用淡蓝色或棕褐色（较沉着的颜色）线条勾画轮廓结构，要求比例、透视、形体结构转折准确，并根据物体的主次、强弱简略概括地表现出深浅、虚实关系。 接下来准备铺大体色彩关系。在着色之前，首先应对该组的静物色调有一个总体感受，它是什么色调倾向的静物，从色相上区分是蓝调子还是黄调子，从色性上辨别是暖调子还是冷调子，从色度上去比较是灰调子还是鲜艳调子。上述几个方面都是帮助我们感受和识别色调的有效方法。明确了基本色调后，应把这种感受与认识牢记于心并贯穿于作画过程的始终。有了对整组静物的色调感受和确认，便可以快速地进入大体铺色阶段。铺大体色彩关系应从主要重点物体入手，从暗部、投影等深色落笔。这个阶段应迅速而概括地把整个画面的大体色彩关系全面铺开，比较并把握不同物体间的色彩倾向差别。暗部、中间面、投影、反光色彩应一次铺好，亮面、高光暂时留出。不要在局部细微关系上过多纠缠，简练概括而整体地铺色是这个阶段的工作核心。第一遍铺大体色彩关系时用色不宜太厚，以免深入覆盖时产生于结、龟裂及无法盖住底色等问题。第一阶段的工作应控制在一小时三十分钟左右。 静物写生步骤 1首先用淡蓝色颜料或铅笔勾出整组静物的布局安排，并简略地画出物体的明暗转折关系，为进一步的铺色、塑造确立准确的定位。 2这组静物的背景和台面衬布都是浅色（白色、灰黄绿色），所以从重颜色的主体物陶罐画起，顺势铺出水果及酒杯的色彩用比较的方法找出水果的色彩差异和倾向。注意不能在某一物体的描绘过程费时过多，以免陷入局部的孤立刻画之中，铺大的色彩关系是该阶段的主要任务。 第二阶段：深入表现阶段。这是三个阶段中最为关键的阶段，在这个阶段中，深入刻画的程度及其表现的效果是决定作品成败的关键。 在这一阶段里需要具体深入地表现各部分物体的色彩关系，表现出物体的主次、强弱、虚实的差别，物体丰富的转折层次、体积和空间关系，并应表现出不同物体的质感特征。深入表现阶段需要注意的是不能在具体的刻画中忘记了整体的比较和整体的深入，切忌在某一物体上孤立地进行。当画一个物体时应时刻把该物体的色彩与其周边的背景及物体色彩进行比较、观察与联系地加以表现。如画一个苹果时，要连同它的背景色彩一起画，这样才会使这一物体与其所处环境的色彩形成一种正确的色彩对比关系。深入刻画阶段应限定在二小时以内。 3在铺好大的色彩关系之后，再从主体物进一步深入塑造，并向投影衬布延展，使其具有整体而协调的联系。水果的塑造也是同样道理，只是要注意前后空间距离所形成的主次、虚实变化。深入塑造，避免平均是该阶段的首要任务。 4全面完整地表现对象后，检查一下整体的色调及和谐的统一关系。同时对个别局部的细节进行调整，减弱琐碎次要的细节，加强重点物体的点睛之笔。高光、罐口、杯盘的边缘都需精心地表现和收拾。 第三阶段：色彩写生的最后一个阶段。考生应留出三十分钟左右的时间对整幅画面作整体调整。调整阶段的主要任务是从大的整体关系出发，对画面进行全面检查，调整和修改画面不入调的局部色彩。这个阶段的工作是对画面进行最后润色。对那些重点物体，赋予画龙点睛之笔。突出主体，放弃一些不必要的细节关系，努力使画面的物体鲜明生动、和谐统一。 在考场的四小时里如果能够控制并把握这三个主要阶段，我们就能从容而稳健地完成写生作品，正常地发挥出自己应有的水平水粉画的写生步骤 观察思考:这是许多同学都忽略的一个步骤。在落笔之前，首先要想好将怎样画这幅画，用什么手法？ 重点表现什么？练习目的是什么？用什么工具材料？色调是什么？画多长时间等等。 起稿定形:用湖蓝、赭石等染色力不是很强的颜色勾形，线条力求简练而准确，初学色彩不应把形准看 得太重要，主要是为了把精力集中在对色彩的理解认识与把握上。 整体铺色:用大笔迅速而概括地把色彩的大关系依照你对象的第一感觉铺出来。水分可以用多一些，画 薄一些，不要拘泥于细节。 深入刻画:这是写生的最重要一步，在这个阶段，你可以按照你的计划安排、感觉、理解、认识以及兴 趣风神，去全力的塑造。全力塑造不等于全部都要尽可能地画完全，要记住，有些地方要不厌其繁地塑造深入，而有些地方却可能永远不用去画。在深入的过程中，一定要坚持整体的原则，时刻照顾全局。由于水粉的材料特性的局限，在实际的绘画过程中，根据具体天气、气候、时间、 对象等情况，可以考 虑局部局部地塑造，以方便水粉的衔接或覆盖。 整体调整:这是收尾工作，用整体的眼光和最初时的新鲜感，全面地审视画面，做全面调整。 静物写生的构图 面对一组静物，如何将其转置于画面的空间结构之中，我们称之为构图。一种独具匠心的画面构图会使你的作品增添无穷的魅力。而构图能力的培养是有其艺术的形式规则可循的，具体来说，一幅静物写生的构图安排，主要根据物象的组合与你的感受确定是竖幅画面还是横幅画面，然后在这个空间中运用对比、节奏、平衡等因素，充分体现自己的感受和意图，表现出对象的特定气氛。对于考生来说，构图能力应有两个方面的培养和训练：一是摆静物、组织物体的能力训练。因为在日常的静物写生训练中，大量的时间是需要考生独立完成写生练习的，所以对静物写生的构图安排，不仅体现在画面中，而且还直接反映在对写生对象的摆设和组织上。二是如何在画面中取景，即以何种视角来确立画面。特别需要指出的是考生应培养自己的应变组织能力，因为在色彩静物写生考试中，经常出现的是已确定的静物内容，而考生的考位是随机和偶然的，这就要求考生能在静物的任何角度熟练、合理地组织画面的构图，使它符合构图原则，使作品产生美感。 上述两个方面能力的培养和训练，需要我们了解和掌握构图的原理和规则。 无论是竖画幅还是横画幅，构图的美学原则主要是既要有对比和变化，又要能和谐统一，最忌呆板、平均、完全对称及无对比关系的画面，因为这将令人感到非常乏味和沉闷。画面如果有聚散疏密和主次对比，有内在的接合及非等量的面积和形状的左右平衡，就会产生生动、多变、和谐统一的画面效果。懂得这一规则，会使我们的构图千变万化，并展现其特有的魅力。 构图的摆布应首先考虑主要物体与次要物体及陪衬物体的定位，即何者为主，何者为次，画面的中心在哪部分。主体物可以是一件较大的物体，也可以是几个组合物；次要物体一般在面积上应小于主体物；而陪衬和点缀物的单体面积则应更小一些；衬布的选择与摆设应考虑画面的色调联系。 静物的组织与安排，有了主次、大小变化就能使我们较容易地制造丰富的对比和变化。在物体的摆设安排上，每个人的艺术趣味不同，对比、节奏、平衡的表现也会因人而异。一般来讲，主体物旁边应有次要物体重叠组合，陪衬物应不规则地摆放在四周。如一个陶罐与一个酒瓶靠得较近，四周是一些小的水果和几个鸡蛋，这样就会因大小、高低、聚散等对比因素而产生美感。 如果在选定静物时没有注意大小、主次对比因素，都以相近的距离分散地出现在画面中，例如用三个同样大小的陶罐均等距离地摆放，那将会造成没有主体中心，画面平均、呆板的现象。有些静物写生全是苹果，形状大小都很近似，那又如何来理解主灰、大小的对比因素呢？其实这并不矛盾。你细心地去观察这一类优秀的静物写生作品，就会发现它一般都是用几个苹果重叠地组合在一起而形成一个“整体面积”相对较大的“中心”，周围的苹果则以自然松散、错落有致的摆放与主体物形成陪衬关系。这其间的聚散、疏密是经过精心考虑和安排的，只是因不露痕迹而显得自然罢了。 作为画面的构图安排与静物的摆放原则是一致的，如果说有些不同的话，那就是考生在面对特定角度的静物进行写生时，可根据需要对画面中出现的个别物体作适当的移位处理，以符合整体画面的构图形式的美感规则。此外，主体物忌放在画面的正中心位置，因为这样会给人呆板、僵死的感觉，向中心线以外略偏移一些才会让人感觉舒服。画面中的静物应尽量避免出现在同一条线上或等距离位置上，而应错落有致、聚散有法。“疏可跑马，密不通风”，说的就是这个道理。 画面的构图一般有三角形构图、复合三角形构图、椭圆形构图、S形构图、V形构图等，这里就不一一赘述了。 作水粉画中经常遇到的三个问题 一、如何控制画面的虚实程度 画面虚实完全根据需要来控制，如风景当中的雨雾天气，画时需要湿而虚的画法多一些才能出现自然效果。而阳光明媚的情况下则相反。画静物也是这个道理，但无节制地制造虚和实必然会带来以下的结果：画面“死板”，画中物体面面俱到，采用大量干画法，紧紧抓住物体的前后左右不放松，环境与主体处处抠得像木雕；画面物体虚无缘渺，在技法上过多使用湿画法，水色渗流，物体形象含混不清，使画面一塌糊涂。画面中的虚实处理没有固定的规定，主要是依画者的感觉灵活掌握，画面的虚实关系需在画面整体的范围内，应该实的地方则实，应虚的地方大胆地虚。实有刀砌斧劈之力度，虚有线断气不断、意到笔不到之妙境。使画面有强有弱，有刚有柔，充满生机和变化。 二、画面用色不当会造成什么结果 画面“脏”、“生”、“闷”等问题，都是用色不当所致。 “脏”，月附多地使用黑、蓝、褐等颜色，到处重复且色彩的空间位置放置不对，上色用笔潦草粗糙以及在色彩没干的情况下，又用湿色过多地涂抹，都会造成“脏”效果。要克服这种毛病应做到：调色要在一定的纯度上(调色时要以一种颜色为主，如冷色以冷为主，暖色以暖为主)少加对比色，使画面色彩冷暖分明；在用笔上尽量干净利索，少拖泥带水。这样才能克服“脏”的问题。 “生”，即画面上运用太多太纯的颜料就显得生硬。解决这一问题应加强中间色的描绘，适当地利用冷暖灰色，并在物体上找一些虚而过渡的颜色。 “闷”，使用红、黄等纯色，又缺少明暗冷暖的对比。在这种情况下，应尽力在画面中画出几种补色，增加画面中冷暖和明暗的对比，从而打破画面的沉闷。 在作画过程中调色和用色是画者的经验、判断和修养的综合，要认真去总结这些经验。 三、画面局部上的失败用什么方法补救 水粉画局部画的失败分两种情况：一种是大面积湿画法完成的局部，干后再画则衔接不到原来的色彩上去；另一种是画得很厚又很腻的地方，只有再加厚干压，但最终还是不理想。出现这两种情况前者可采取用干净的湿笔轻轻刷湿需要改的部位，让颜色恢复湿后的面貌，再把要改的地方补上，这样干后就能基本一致。后者最好用清水把局部厚色清洗的办法，也是用干净的湿笔刷，然后用于笔吸去水分。局部修改要控制色、水不流动为佳。如清洗到露出纸时，再补救就容易多了。 画面补救只能是局部的，如果一幅画大面积都很糟，实际是无法补救了，如把补救浪费的颜料和时间换成再另画一幅也许效果会更好但要吸取失败的教训