素描的感受与感想.doc

一再话素描的感受与感想 上次我们已经写过关于素描的一些东西，今天再来写，还是有一些事情要说的。路漫漫其修远兮，吾将上下而求索。 我的素描学习历程至今可以分为三个阶段： 初学阶段：最初接触素描也就是入学至高中阶段。小学的时候，平常也喜欢瞎画画啥的，没事把教科书上的人物风景什么的临临画画，好不好倒无所谓，就是觉得挺有意思的。小学时很贪玩，学习成绩倒是挺好，就这样保持着这兴趣一直到初中，我顺利地考上了我们哪的重点高中。到了高中，也不是成绩不好，就是看着我班里几个同学每天晚上不上课去画室学习感觉就挺羡慕的，于是，我也没加思量，报了我们学校的画班。我的命运也因此改变。到最后的升学。高中的教学模式就是针对高考，先开始就是写生几何形体以及石膏圆雕，以及后来的静物素描写生，我发现，我对静物的写生兴趣大大超过了石膏，也花了不少时间在那上边。到高三的时候，由于高考的临近，老师让我们进行了大量的针对高考的练习。临习头像范画，大量的写生。嘿嘿，老实说，那时画的画，没什么感情在里面，就是机械地画，画多了，却再也找不到小学时那种愉悦的感觉了。呵呵呵，形势就是这样，谁都得走这一步。一个模式也没办法，这就是中国的教育。高考终于来了，统考过后，我的专业成绩不是很好，只得在文化课上努力了，也算天遂人愿，上了大学。“以后就要靠画画吃饭了”，我这样对自己说。 第二阶段：大一开学后，我们也就开始了美术的系统学习。我也接触到了许多大师的素描书籍。跟人家一比，才发现自己画的是那样的差。不光是我，突然发现班里的同学的画水平泛泛。于是，挣扎努力摆脱以前的那种条条框框。大一时是太忙也太闲。专业课太多也太杂。一句话，在努力着。但还是在画面上会出现死板的现象，不知不觉也会陷入以前高考时画画的模式。感觉绘画水平有时会停滞不前，有时甚至会出现倒退。老师说：“正常现象。” 第三阶段：大一转眼就没有了，大二选专业，我选了油画。说实话，我对国画没兴趣。倒是对油画十分火热。嘿嘿。有人说过：“青春是一滩水，是可以从指缝中轻松淌过的单薄年华，我们可以倔强地笑，难过地哭，但是请记住，要把脚步继续铿锵。”是啊，时间不多了，大二一半已经走过。罗丹说过，：“我要把一块石头里的生命释放解救出来，我会小心一刀刀刻，不会让他们受伤。”而对于我们画画而言，同样要在画面里展现一个鲜活的生命，我们同样要把一张纸里的生命解救释放出来。大二了，懂得更多了。可以按照自己的方式画画了，这感觉很好，虽然还不熟练，但我会努力。多画速写，多看大师作品，学会读画，临习其中最喜欢的，多写生。要有自己的感觉。感觉这个东西有时会很抽象，比如素描人物，不需要你把一个人物各方面画得面面俱到，但你要会抓住一个人物的精神面貌，或者他身上的闪光点，争取做到精彩。一位画家曾说过：我喜欢画那些人物的衣服纹理，我认为它们很有“表情”。 呵呵，光说不练假把式，光会理论没有实践也成不了什么气候，重要的还是练习，克服懒惰，努力朝着梦想，向前，我不怕我会走得慢，重要的是我走没走。 爬上金字塔尖的只有两种动物：雄鹰和蜗牛，我没有雄鹰的天赋，但我会象蜗牛一样，我相信。 二感受素描的感觉 素描呢，学习好久了，因为它不仅是一个基础，同时，它还是一门单独的艺术，相信每一个学习绘画的人都不会错过他。因此，他的重要性应该就不用我多说了。可是，虽然说素描是一门基础的艺术，但他也是绝对不能被小觑的。准确来说，他就像是一杯茶，需要去品，去体会！越是懂他的人就越能品出他的滋味。 在你面对素描，面对一副作品，你必须得用心观察而不是用眼睛去看。因为绘画是一门欺骗眼睛的艺术，如果你用眼睛去看，他呈现给你的将是一个虚假的东西。无论他有多么的真实，他从根本上来说他是一张纸上的图像。至于透视法之类的，那也只是制造假象的一些手段的而已。然而绘画所呈现给你的感觉不会是假的，他将给你展示出画家所倾注于这个二维平面上的情感和思想，而这些情感和思想是鲜活的，立体的，充满人性的。他没有虚假，有的只是赤裸裸的真实。这就证明了一句话：平凡的人只能看到表面，而真正的智者却能通过表面看到内在。 然而素描的感觉要如何去体会呢？作为一名画者又将是如何表达自己的感受呢？如何运用你的感受使一副素描作品充满感觉呢？这些问题似乎有些难以回答 但是我要试着去回答如果不能把握住绘画的核心与精神感觉。那么，其他的一切都将变得缺少意义，无论多么高超的技巧与手法，缺少了感觉的表达，在艺术的面前都将变成可笑的卖弄。至于对素描的感觉如何感受，这就要求我们抱着对着素描的热爱，将自己的心与画融合在一起，能够把自己的好奇心发挥到极致，去开发出对素描的感觉。是的，素描中所产生的感觉就像一份宝藏，只有最诚心地追寻才能够得到打开这座宝库的钥匙，而且，越是真诚，找到的宝藏越多。 但是，这也只是前提而已。空有热情还不够，你还需要一颗敏感的心。老师曾跟我说过，在画半身素描时，要先用长长的线条打出结构与形状，如果够用心，你就能从那一堆看似凌乱的结构线中“感觉”到人的存在，而那则是眼睛所看不到的。这就让我想起了著名的文艺复兴的三大巨匠之一的米开朗基罗，他就曾说过他在做雕塑作品时“感觉”到有个人体在那块石头里，而他所做的就是把那个人从石头中“解放”出来。仔细一想，我觉得这两个原理是相通的，无论是大理石雕塑还是素描刻画，作为一名画者必须先在自己的头脑中形成所要描绘物体的感觉，并将其投放在石头中或者二维的平面中，然后利用你的技能，亲手将你的感觉解放出来表现出来。同样的，在看别人的素描作品时，你也就可以感受到藏在作品中的感觉了，而那感觉就是画者的灵魂与精神所在。 我现在依然还没有成功，但是，我在面对着素描作品时，无论他人的作品还是我自己的作品，我已经有所感觉了，而且这些感觉是不一样的，虽然现在还不能用准确的语言来描述清楚，但是，我已经能顺着感觉去看去观察，至于更清晰的领悟我还要多感觉一下 在谈感觉与感受时，就是一些比较感性的东西，也就是自己对素描画的一些理解以及在作画时怎样用自己的方法把模特表现得淋漓尽致。怎样把自己对画的理解表现在自己的画面中。这里边要有自己的思想以及深刻的思考。 有时候在看别人画的时候觉得他的画很有感觉，但自己怎么着都画不出那种感觉，在自己的画面中看到的总是比较死板，没有灵气的一个人，这也是一种感觉，却是大家都不喜欢的一种感觉。而在别人的画中看到的是有灵气，有骨架的一个人，整个画面给人的感觉是有灵气，轻松，松弛有度，在黑白的世界中表现出了强有力的情感。 老师总说一个人画画时的心情可以从画面看得出来，现在慢慢的理解这句话，投入感情与没有感情差别是很大的，这也是画面给人的感觉。如果我们是在认真的并且思考着的来作画，这幅画就投入了自己的感情，那么它的感觉就会不一样，即使这幅画并不是很好。如果是漫不经心的、懒散的去作这幅画，那么它又会给人另一种感觉。 感觉这个东西，还要靠我们日常生活中去积累，最直接的方法就是多看并且认真的研究大师的画吸取当中的精华，并为己所用，这样就会达到一定的效果。另一方面，要多临，手还是要上去，多练习了，手上的感觉也可以慢慢的提升。看书也是很重要的一方面，比如：传记、哲学、理论等，特别是从大师传记中，可以了解他处的时代背景，家庭背景，生活状况等，这些对他作画都是有一定影响的。所处的环境不一样，感觉就会不一样。有好多大师画风会发生很大的变化，可能就是生活中出现了不一样的状况，也许会是好的，也许会是坏的。 除了这几方面，还有就是要多出去走走，接触大自然，看看周围的人和事，做生活中的有心人，这就和学文学是一样，要有一颗热爱生活的心。 接下来就是对模特要有感情，老师让根据这个模特编写一个故事，这是一种激发我们思考的一种方法，这样的话，我们用自己的想象去像这个模特，并根据自己的想象来描绘他，把他表现在画面中，这样也就自然而然的带有感情了。 一幅画中表现方法的不同，整个画面感觉也会不同，就举一个最简单的例子，用铅笔和用炭笔或者是碳条这两种不同的材料画画，画面就会有所区别。感觉是表达我们内心的东西，也是属于我们内心的情感，就是要靠自己多多的培养，在潜意识里去强化它 三感觉与感受 说实话，自己对素描很感兴趣，特别是当看到别人能在短短的几十分钟画出一张精彩的素描像时。自己真是既羡慕又嫉妒。自己是学美术的，按说应该也能画出的，但差距咋就这么的大呢？ 问过很多的人，不是说练习的少，就是观察不够，要不就是理解的不够透彻 对于这些问题，自己都知道，但究竟要怎么才能成为“高手”？ 素描要求所画的对象比例结构要准确，那么就要求造型能力一定要强。就要在基本的形，比例，动态等关系确定出来以后，要将画面放置到远处进行观察修改画面。因为在画面跟前我们很难检查出大的基本形、比例、动态是否正确。而当把画面推远，一切细节局部就变得不那么清晰了这样才使我们能比较容易地一眼看到画面的整个形体比例动态关系，而不是其中的某一部分。检查的时候可以将画放置在对象的旁边，不要先着急看自己的画面。而是要逐个地感觉一下所面的对象，然后迅速的将视线转移到自己的画面上，但一定要记住是看到画面的整体，而不是画面中对象的某一细节，这时，如果你画中基本大形关系捕捉地正确，那在你视觉印象中对象的感觉就会与画面中对象的大形发生吻合，假若基本大形关系捕捉的不对，那么马上就会使你感受到真实对象与画面中的形产生偏差错位现象，如果这种差错明显，那么你所画的基本大形、动态、比例就错了，例如对象头部的基本特征形不对，动态不够或者太过头部与身子等主要部位比例大小失调等等问题如若这种保差错现象发生在某个局部那么你就会发现画中对象如眼晴、鼻子、嘴或者什么地方形的比例位置是高了，低了，大了，小了，过了还是不够等等问题为了证实这种差错位现象可靠性，可以按此方法多检查几次。一但确认有上述某种问题后，耍毫不犹豫地将面拿到跟前进行修改校正。之后再将画放置远处用同样方法检查，直至对象的整体感觉与画面中对象的大形关系吻合为止； 或者借助手中的铅笔来进行形的确定和校正检查工作。它除了可用于垂直或水平检查方法外，还可以运用在确定出对象各部位的形体比例、长短距离等关系。使用时手臂要尽可能伸直，以笔顶端为上点、用大拇指尖在铅笔杆上所测定出的位置为下点来检查校正形。 图的比例结构要画好，就要先观察清楚，轮廓一定要画好，这是关键一步，一定要起好步。“好的开始将是成功的保证。”然后就是深入刻画。在这个阶段要注意应该从什么地方开始深入;怎样深入。对一个完整的对象来说虽然它是由若干必不可少的局部组成的，但它们相对于整体来说却又都在着主要与次要的宾主关系。因此，当我们在深人刻画时就不能一视同仁来平均对待，导致喧宾夺主的局面出现，而必须首先要抓住整个对象中最能体现“形”与“神”特征的主要部分。其观察方法是用整体的目光意识一眼看到所要表现对象的全部，然后根据从整体感受中获得的最突出、清晰、对比强烈，一下子就抓住并跳到你眼帘进人视觉，使你产生强烈表现欲望的部位开始。如果你觉得用这种方法做起来比较困难或者没有把握的话，也可以通过比较的方法来进行。即通过对对象整体中各部位之间的相互比较来确定出主次关系来进行深入刻划。 当我们知道了应该首先从什么地方开始深入以后，接下来就是要明确怎样去深人的问题。深入刻划的过程不仅是要求将塑造大关系时表现出的概括的体面关系逐渐由各种形状细小的转折体面来衔接过渡使相对简单的形体本身与相互之间的来龙去脉关系丰富具体化。同时也要通过不同的处理手法来描绘表现出对象特有的神情气质性格、质感量感光感与空间感。因此，必要的解剖知识可以帮助我们透过表皮现象来了解并表现出支配外形的内部肌肉与骨骼的本质。有时候为了能更清晰具体地对形体结构的转折起伏进行细致地理解与分忻，可以走近对象进行观察。从而不致于被一些表面的偶然现象所欺骗。所以说理解的愈多，看到的就愈多、愈实在。画出来的就自然愈有说服力。另外，大量的解剖书籍也是必不可少的，它能帮助我们理解和分析所画的对象。 这就是我对素描的感受理解。 四我“喜欢”素描 第一.首先我比较喜欢素描这是最关键的.从这问题上我的观点是只要一个人喜欢某一件事或某某东西他就会热心耿耿.认认真真我先这是追主要的.在这几周的素描课上我觉得我提高了.不是说我和别人比我提高了.而是我和自己的攀比.只要尊重每一件事.发现每一件事的创造潜能是属于自己的. 第二.我觉得.素描是要解决造型问题，但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已，并不一定需要有很强的素描“造型”能力。由此素描是思维的.是视觉的.是技术的.就抛开什么不说.单单拿技术来说.这只是一个熟能生巧. 第三.素描表现形式. 什么都存在着节奏，是有了节奏使美同时而生。比如，在写生黑白灰调子，模特的头发是深的颜色，面部的颜色是浅的，而颈部是灰的，整体与局部比较、主次的比较，虚实的比较、强弱的比较等等，都会在比较中产生节奏。在整体与局部表现时，要注意既有整体与局部的变化，它们很微妙.主次的比较、虚实的比较、强弱的比较.假如.以模特给人的第一印象往往是最深刻、最生动的感知。在作画中模特的气质是主要的表现内容。所以，理解表现才是学习，在画素描时，对整体与局部的观察比较是十分必要的，任何时候也不允许随便脱离整体而只看局部，你画的不只是一个鼻子、一只眼睛、一个嘴、一个耳朵等。他们在面部中扮演什么角色，起着什么作用，当你画局部时，必须从整体的意义上去画。 第四.深入刻画 我觉得有耐心黑白灰抓住就成. 第五.画面的效果 我看主要表现主观认识完整性。通过对这感知后表现自己的感受形式. 素描的这些特征决定了素描学习对学习者的要求，学习者必须具有一定的思考能力，懂得运用对比、综合的方法找出对象的形式特征。学习者必须具有手、脑协调能力，能够有意识表现观察五素描半身感想与感受 学习画画时间已经不算短了，但是也是没有什么成绩。进入大学之后，时间多了，但是只要不好好把握就很容易荒废，大一也没有好好学习，以致成绩更加退步，大二进了油画3班，看到那么多高手之后，才知道自己的位置，但是后悔也没用，只有好好努力。 素描半身开课之后，我就更加的迷茫，不知道方向，不知道怎么画，刚开始的时候连形都起不准，但是经过两周的训练之后终于没什么大问题了，但是进一步刻画又出现了问题，特别是衣纹的表现与刻画。然后就是头部和手，特别是手，一点儿都不会画。 另外一点就是，我觉得这可能和我多年的学习习惯有关吧！因为刚开始学的时候，没有找老师，只是自己喜欢美术，自己临摹着画，这样的习惯让我在以后的学习中，不知道该怎么跟老师交流，只知道自己画画。我也很不喜欢这样的学习方法，这样的方法让我举画画也是步为难，很难前进。 学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。 素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。素描作为基础训练，并不枯燥，希望有更多的人喜欢素描，练好素描的能力，通过素描为今后的艺术创作做好更多的准备。 学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。 素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。素描作为基础训练，并不枯燥，希望有更多的人喜欢素描，练好素描的能力，通过素描为今后的艺术创作做好更多的准备。 在素描半身像的学习中还有二个难点，难点一是头、颈、肩、躯干的比例、节奏、运动规律。以头的长度作为基本的参照系数确定颈的长度、肩的宽度、躯干的比例。表现节奏与运动时要了解人体的生理特征。有了这几年的画画基础，已经不习惯画画时还要用手去量比例，每次总感觉每一次的比例量的都不一样，即使一样了，放到画面上的时候就不对了。画的还是少了，画多了，想多了，就不会这样了。 难点二是衣着与人体结构变化的关系。衣服是人的“第二皮肤”，人体结构是衣服的支撑。衣服只是附着在人体表面的东西，还是应注在素描半身像的学习中还有三个难点，难点一是头、颈、肩、躯干的比例、节奏、运动规律。以头的长度作为基本的参照系数确定颈的长度、肩的宽度、躯干的比例。表现节奏与运动时要了解人体的生理特征。有了这几年的画画基础，已经不习惯画画时还要用手去量比例，每次总感觉每一次的比例量的都不一样，即使一样了，放到画面上的时候就不对了。画的还是少了，画多了，想多了，就不会这样了。 这就是我可以用言语表达的，这段时间学习素描半身像的感想与感受，还有一些是无法用言语表达的，只能自己慢慢体会、感受。 六素描学习的心得体会 学习素描就像学习希腊语和弹钢琴如果你是有意识的将希腊语或弹钢琴，就很生硬，你必须将他融入你的潜意识，才能达到高雅的境界，但这需要时间。 刚开始学习素描时总有一大堆的问题不知道如何让处理，“不知道从哪里入手？应遵循哪些步骤？透视，明暗，空间，以及黑白灰的安排。现在不断的学习中，在慢慢的学习当中，思路才慢慢的清晰起来。 首先应该了解形成外在形体的内在骨骼，更要学会简化细节，用大的快面形体表现结构，从整体，再到局部是很重要的，这样才能使大的形体块面控制局部细节，结构不分散，画面统一。 素描学习，不是描绘它表面的事物，只把能用眼睛看见的形象表现出来，而是要吧自己脑子里理解的，知道的知识表现出来，所以解剖的学习非常重要，这样我们才可以熟悉哪些成功表现人体所必须的结构。只有知的理解道某一结构的存在，才能表现它的形状。例如我们画臀部，如果不考虑盆骨的形状和朝向，以及筋膜阔张肌和臀中肌，就永远也不能准确的表现结构，即使画出了外形，它也是没有内容的。 只有意识到结构的存在，确定了每个结构的形状，才能在画面中传达具体结构的准确形状。 在开始学习绘画时，我的第一位美术老师总是给我们强调一定要准确的理解静物或人物的结构。着两种是构成素描的主要东西，明暗只是附着在上面，为结构而服务的。所以我一直很重视形的准确性和自己对解剖知识的学习，对头骨的学习，让我明白了鼻子眼睛这些五官是怎样附着在头骨上面。让我在作画时能更准确在表现形体。对人体骨架的学习，让我更深一层的了解到怎样通过结构表现人体的形态，肌肉的走向和胸廓，脊柱和骨盆的扭转方向，在我们学习的发热这个阶段，我认为只有熟悉常规，才更容易洞察变形。 素描绘画艺术的基础，他需要我们感情的投入，需要我们热爱它，另外我们要坚固自信心，戒骄戒躁，要勤奋，天道酬勤，我们一定会取得成功。 画画也是要动脑的，需要很多思考，我认为学画的过程中“想”与“画”的关系有三个阶段。一，多多画，多想；二，多多画，多多想；三，多画，多多想。“想”在这个过程中占有越来越重要的位置。在第一阶段，基本上只是手的任务，训练手熟练地把想表现的对象表现出来。因为没有一定的绘画经验积累，就没有想的基础，而且那个“多想”也只是在技法层面上的；第二阶段，已经有了初步表现对象的基础，也有了在专业上进行思辩的能力，但是毕竟还是不够的，这时需要反覆地画，反覆地想；第三阶段，已经具有了熟练表现对象的基础，但在意识形态上，还跟不上，在这个时候，“想”比“画”更重要了。所以多多想，多画画。 学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。 素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。而半身素描我觉得最主要是结构要准，注重整体的塑造，给人一种舒服的感觉。 素描不是复制，而是具有高度的创造性。 通过这几周的学习更加认识到，在素描的路上我才刚刚开始，有很多东西还需要我去学，大家已经不是同一个起跑线了，我只有更努力不放弃地追赶上。 七 再从素描半身来谈绘画感觉，素描半身对于我们来说一点都不陌生。从考学前我们就一直在训练素描或者半身。我们总老调重谈素描是一切造型的基础，而这样一个造型的基础仅仅从理论上来理解是远远不够的。谈素描我们可以说上很多，比如比例、结构、形状、明暗甚至技法上的写实、表现等等.今天我从感觉感受方面来说说我眼中的素描。 相比于一年级下学期，同样是半身素描，而我们注重的还是表面。如何去描绘形象，五官、人物像不像.而不是从整体去感受对象的内心世界，达芬奇说，绘画的最高境界是描绘对象的内心世界。而这里的内心世界我认为是我们对所描绘对象的感觉，是主观的感受，而它一定要基于准确的造型基础上，换言之，感觉感受并不是凭空而来，它必须要有对比例的把握、对结构的理解、形状的认识、绘画的经验以及对对象的主观感受.通过这五周的半身素描课，我明显感觉到素描与过去差别，或者说是进步。且不说是否手上做到从感觉入手，起码我认识到了，在素描这样造型基础的课程上，我们依然需要解决的不仅仅是简单的造型或者单调的明暗体积，而是需要用主观感觉去感受我们所描绘的对象。 什么是感觉？对于从未接触绘画的人来说，感觉是人脑对事物的直接反应，而对一位从事绘画工作的人来说，感觉不仅仅是一种对客观事物的主观反应，我认为更应该是一种主观感受，是自己内心的感受，不同的人画同一个事物为什么都不会一样？因为内心对事物的感受是不一样的，感觉也不应该是一种不负责任的好与不好之说，它是需要有足够的实践和尝试、以及对绘画的认识。从无数次的实践中总结问题，并且解决矛盾。感觉不会是每个人天生就具备的，它需要经验的积累，对基本造型的了解以及把握。作品是否能取悦自己、是否达到自己所要求的，这需要我们具有判断的眼睛，要有好的感觉我认为首先是要摆正心态，清楚自己要解决哪些问题，解读我们所需要描绘的事物，做到“心中有数”，在作画之前脑子里要有个“预设效果”，按步骤来把握白纸。在作画过程中始终都要依附基础结构，而不是没有预设性的画、信手拈来的画。感觉不是舍弃结构、体积、明暗、空间，而是用自己积累的经验以及对画面的把握，从客观的描绘中加入主观感受。感觉是我们对所描绘事物的一种感受，不仅仅是基于外部的，它需要我们洞察对象的内心以及自己的感觉。 不同于感觉的主观性，感受是我们客观的对事物外型、结构、比例以及形状等的分析理解，相对于感觉更需要严谨的分析。要从认识上尽量避开考前规矩的描摹，应该从内部扎实基础上多注重感受对象，按步骤严谨地画，却遵照自己对对象的主观感受，让画面具有生气，而不仅仅是一幅素描习作，它应该经得起从造型方面的任何推敲，并且有自己的认识感受，反复思考。在一个模特身上，我们用肉眼看到的不应该仅仅是衣服、表面。我认为应该在一切造型比例合适的条件下，主观发挥自己对事物的自我了解，甚至是模特的背景故事。 五周的半身课即将结束，我受益匪浅。从过去单纯的描摹对象到如今知道自己每一步在解决的问题。我认识到，绘画是一个过程，认识的过程，在一张白纸上要描绘出一个人物形象就类似于做雕塑，一层层解剖，一点点去堆砌。从骨骼结构肌肉到外部形状.素描作画中，不仅仅需要注意整体的比例关系、头颈肩的关系、还有头和手的位置关系，它们应该经得起反复推敲以及不断调整以达到心中的效果。由此再去考虑体积形状.而在这近五周的课程中，我反复提醒自己，从整体去看再从细节去解决一个个问题，今天这个上午要解决的问题，或者说，今天解决造型问题，第二天解决结构形状问题，这样有针对性的去做，“制造矛盾，解决问题。”这样才能进步，现在这张素描存在的问题还是很多，比如左臂的位置，深入不下去等等.虽然五周的素描半身课即将结束，我的绘画生涯并没有随它的结束而结束，我尽力做到最好，因为还有更好。 如今已没有考学压力，我认为我们更应该考虑如何把束缚自己的条条框框挣脱掉，去寻找属于自己感觉的东西，让共性的东西更扎实的基础上发掘个性。无论是素描还是其他形式的绘画，我认为找到一种别人不具备的个性是非常有意义的，它需要我们凭借经验找到感觉，而这种个性感觉绝对脱离不了基本的结构概念，课下停下作画的时候多去看大师的作品，从中学习积累经验。比如说立体主义大师毕加索，他的画之所以受人敬仰，很多方面是由于他的作品具备了一种独特的感觉，而这种独特的感觉不全是与生俱来的，我们知道他早期也经历过许多时期，才发掘出适合自己的个性，所以说，个性的感觉感受应该建立在良好的基础上，依靠经验总结以及经历多次不懈尝试，更需要我们对绘画事业的热爱以及反复实践创新。 总而言之，这一个多月的半身素描让我收获颇多，提高了自己的认识，也了解了自己的不足。巩固了对素描的理论理解以及对绘画感觉感受的把握，一句话：感觉感受是绘画中不可缺少的一部分，可它更是靠造型基础方方面面以及我们的经验认识来支撑！接下来我希望在任何课程中都坚持画素描速写，不停为自己的高楼打地基，为自己的终身事业去奋斗，依然无论走到哪步，只求对绘画热情 不减！八再从素描半身来谈绘画感觉，素描半身对于我们来说一点都不陌生。从考学前我们就一直在训练素描或者半身。我们总老调重谈素描是一切造型的基础，而这样一个造型的基础仅仅从理论上来理解是远远不够的。谈素描我们可以说上很多，比如比例、结构、形状、明暗甚至技法上的写实、表现等等.今天我从感觉感受方面来说说我眼中的素描。 相比于一年级下学期，同样是半身素描，而我们注重的还是表面。如何去描绘形象，五官、人物像不像.而不是从整体去感受对象的内心世界，达芬奇说，绘画的最高境界是描绘对象的内心世界。而这里的内心世界我认为是我们对所描绘对象的感觉，是主观的感受，而它一定要基于准确的造型基础上，换言之，感觉感受并不是凭空而来，它必须要有对比例的把握、对结构的理解、形状的认识、绘画的经验以及对对象的主观感受.通过这五周的半身素描课，我明显感觉到素描与过去差别，或者说是进步。且不说是否手上做到从感觉入手，起码我认识到了，在素描这样造型基础的课程上，我们依然需要解决的不仅仅是简单的造型或者单调的明暗体积，而是需要用主观感觉去感受我们所描绘的对象。 什么是感觉？对于从未接触绘画的人来说，感觉是人脑对事物的直接反应，而对一位从事绘画工作的人来说，感觉不仅仅是一种对客观事物的主观反应，我认为更应该是一种主观感受，是自己内心的感受，不同的人画同一个事物为什么都不会一样？因为内心对事物的感受是不一样的，感觉也不应该是一种不负责任的好与不好之说，它是需要有足够的实践和尝试、以及对绘画的认识。从无数次的实践中总结问题，并且解决矛盾。感觉不会是每个人天生就具备的，它需要经验的积累，对基本造型的了解以及把握。作品是否能取悦自己、是否达到自己所要求的，这需要我们具有判断的眼睛，要有好的感觉我认为首先是要摆正心态，清楚自己要解决哪些问题，解读我们所需要描绘的事物，做到“心中有数”，在作画之前脑子里要有个“预设效果”，按步骤来把握白纸。在作画过程中始终都要依附基础结构，而不是没有预设性的画、信手拈来的画。感觉不是舍弃结构、体积、明暗、空间，而是用自己积累的经验以及对画面的把握，从客观的描绘中加入主观感受。感觉是我们对所描绘事物的一种感受，不仅仅是基于外部的，它需要我们洞察对象的内心以及自己的感觉。 不同于感觉的主观性，感受是我们客观的对事物外型、结构、比例以及形状等的分析理解，相对于感觉更需要严谨的分析。要从认识上尽量避开考前规矩的描摹，应该从内部扎实基础上多注重感受对象，按步骤严谨地画，却遵照自己对对象的主观感受，让画面具有生气，而不仅仅是一幅素描习作，它应该经得起从造型方面的任何推敲，并且有自己的认识感受，反复思考。在一个模特身上，我们用肉眼看到的不应该仅仅是衣服、表面。我认为应该在一切造型比例合适的条件下，主观发挥自己对事物的自我了解，甚至是模特的背景故事。 五周的半身课即将结束，我受益匪浅。从过去单纯的描摹对象到如今知道自己每一步在解决的问题。我认识到，绘画是一个过程，认识的过程，在一张白纸上要描绘出一个人物形象就类似于做雕塑，一层层解剖，一点点去堆砌。从骨骼结构肌肉到外部形状.素描作画中，不仅仅需要注意整体的比例关系、头颈肩的关系、还有头和手的位置关系，它们应该经得起反复推敲以及不断调整以达到心中的效果。由此再去考虑体积形状.而在这近五周的课程中，我反复提醒自己，从整体去看再从细节去解决一个个问题，今天这个上午要解决的问题，或者说，今天解决造型问题，第二天解决结构形状问题，这样有针对性的去做，“制造矛盾，解决问题。”这样才能进步，现在这张素描存在的问题还是很多，比如左臂的位置，深入不下去等等.虽然五周的素描半身课即将结束，我的绘画生涯并没有随它的结束而结束，我尽力做到最好，因为还有更好。 如今已没有考学压力，我认为我们更应该考虑如何把束缚自己的条条框框挣脱掉，去寻找属于自己感觉的东西，让共性的东西更扎实的基础上发掘个性。无论是素描还是其他形式的绘画，我认为找到一种别人不具备的个性是非常有意义的，它需要我们凭借经验找到感觉，而这种个性感觉绝对脱离不了基本的结构概念，课下停下作画的时候多去看大师的作品，从中学习积累经验。比如说立体主义大师毕加索，他的画之所以受人敬仰，很多方面是由于他的作品具备了一种独特的感觉，而这种独特的感觉不全是与生俱来的，我们知道他早期也经历过许多时期，才发掘出适合自己的个性，所以说，个性的感觉感受应该建立在良好的基础上，依靠经验总结以及经历多次不懈尝试，更需要我们对绘画事业的热爱以及反复实践创新。 总而言之，这一个多月的半身素描让我收获颇多，提高了自己的认识，也了解了自己的不足。巩固了对素描的理论理解以及对绘画感觉感受的把握，一句话：感觉感受是绘画中不可缺少的一部分，可它更是靠造型基础方方面面以及我们的经验认识来支撑！接下来我希望在任何课程中都坚持画素描速写，不停为自己的高楼打地基，为自己的终身事业去奋斗，依然无论走到哪步，只求对绘画热情不减！ 九随想绘画与绘画感觉的关系 我以为绘画感觉和绘画作品的美是二种概念。绘画感觉好并不表明绘画作品的美，而绘画作品的美却包涵着良好的绘画感觉。 从心理学来说，人对客观事物的认识是从感觉开始的，但它是最简单的认识形式，随着年龄的增长和学识的增多逐渐进入到知觉阶段。感觉是脑对直接作用于感觉器官的客观事物个别属性的反映。 绘画感觉是画家创作过程中所表达的一种情绪再现，通过自己的想象，构思，对绘画语言的理解以及用哪种绘画形式适合表达自己的想法，宣泄自己的情感或自得其乐，真是这点他做到了自我宣泄并完成了绘画感觉的使命。 不仅如此，绘画感觉犹如人的感觉是与生俱来的，是本能反映，是每个画者都具备的条件。在绘画过程中，不同年龄，不同画技，不同观念，所画的作品都不尽相同。每个人都可以成为画者，但不可能都成为绘画艺术家。比如邻家三岁小孩在纸上画画，歪歪扭扭画了几个圈，问其：“画什么呀？”答：“画苹果，鸡蛋。”假如不问谁会知道他所画的含意？但他也在表达绘画感觉或情感宣泄，或许小孩看到的苹果、鸡蛋就是这样的。我们充其量也只是把他的画看成是小孩的涂鸦，鼓励他画得好，不用说其涂鸦作品的美了。再比如电视新闻播出某国大象卷着漆刷在画布上涂抹，毫无意识却五彩缤纷，煞是好看，我们也只是把它看作是一场在人工驯化下的动物表演罢了，也不会把它当成什么艺术行为，更不会把涂抹变成艺术美的作品了。 当感觉或知觉、想象、情感、思维与美的理论和谐统一并用于绘画艺术时就能创作出美的作品。 绘画感觉就是在画家创作前或创作过程中所表现的创作灵感和一种情绪再现，通过自己的想象、构思、对绘画语言的理解以及用哪种绘画形式适合表达自己的想法，宣泄自己的情感或自得其乐。 而绘画作品的美在前面一切要素存在之外还要给观众带来遐想或愉悦眼目及愉悦心情。但是，要愉悦观众就在于体现文化艺术素养，适合的表现形式，高超的绘画技术，不但要用美的理论(美学)指导下创作出有美的内容(构思)，美的画面(构图)，美的色彩（色调）等等具有美的要素的作品，而且要给人以美的享受为最高追求。 罗丹在其艺术论中说，艺术就是感情，艺术的整个美来自思想，但是轻视技法的艺术家，如果缺少素描功夫，颜色处理不当，最强烈的感受也将无法表达。艺术家本欲打动人心但由于他们没有经过训练而时时暴露缺点，解剖学上的不正确会令人发笑，一只太短的手臂，一条腿向内弯曲，一种不正确的透视都会使观众看了不舒服，因此也难达到体现思想感情的艺术家。 假如把凡高的自画像挂在您卧室的墙上，其晚上睡觉的感觉会如何？我想您肯定会做恶梦。由此可见，任何绘画艺术家都能凭着自己的绘画感觉创作作品，但是，以绘画美为目的的创作就得靠画家的主观能动性了，除非你的绘技无法使你达到美的目的或对美无动于衷或自得其乐。我深信，美的画作挂在任何墙上都不会使你的视觉感到累赘也不会让你的心情变得烦躁不安。 我们是否可以认为绘画创作中的绘画感觉和绘画美是二个概念或二个过程或二个结果？绘画感觉是狭义的，个性化的。是画家个人可以自我表现、自得其乐而不被审美约束的。 绘画的美感是广义的，共性的。绘画美感是画家后天培养的，是与画家绘画技术，知识结构，文学艺术素养相关联的。是画家对美的主观能动性的表现。 尽管一百画家会得出一百个对绘画美的理解，但是被观众欣赏并引起观者愉悦视觉和心情的难道不是绘画的首要目的。 综上所述，绘画感觉要不断完善而且要以美学引导并和谐统一。只有这样才能创作出既有内容又有形式美的绘画作品，才能与观众互动的同时为其带来悦目和愉悦的心情并使其心旷神怡。反之只能是不美的但自我感觉“良好”的画作，甚至于把自我的并不美的绘画感觉强加于观众的视觉想象并误导观众对绘画美的理解。 十素描的感受与感觉 同学说拍一张黑白色的照片来与素描相比较来观看大体是一个样子的，实际上其实有时候照片根本表达不出作者本身真正的意愿，它具有一定的局限性，束缚了创作的本身，无法再现艺术的本身，我感觉这就是素描得天独厚的优点，素描就是创作的最最关键性的桥梁，素描同时也是绘画艺术的基础课程，但它不是板起面孔来作的，它需要人们情感的投入，真诚地热爱，纯正的品味，才能放出智慧的光芒，才能在同一个问题上取得一个更高的角度，才能触摸到艺术的灵魂。 用黑白照片来形容的话，我感觉其实素描就是一种抛弃色彩而追逐一切美感的单色艺术，区别于摄影艺术，或真或幻的意境，他并不孤单，他是创作的灵魂，是类似于其他科目的一种升华。 画画是一门技艺，它可以精益求精，永无止境。你用心画好每一次，就会一点一点地进步。他习惯沉静在自己的世界里，享受着自然的纯朴和静谧，还酿着几分强烈而丰富的感受，这是素描的魅力。 我感觉就好像是在听班得瑞的一首清晨一样，素描给人的感觉就是一种自由自在，无所拘束，似乎是流浪在充满爱的春野里，无人询问和打扰，只是简简单单地用黑白来聆听来描绘着这个多彩的世界，有时候沉浸在世界的角落里，拂去无知与杂念，拿起无论是碳笔铅笔还是什么来抒发我们内心的激情，像作家抒写激情澎湃的文章一样，像音乐家用乐器来演绎自己心情一样等等。 在素描的作品中，常常也会呈现出各种各样不同的风格。作品中会自然流露出各种不同的风格，或浓重、或淡雅、或细腻、或粗狂我想这就是老师曾说过的看一幅画就能看出人的内在的精神世界与画画时的想法吧，绘画是一种具有独创性的实践活动，它由个体独立完成，不断表现出作者的内在与想法，而且每张作品都是这个世界上独一无二的，彰显了鲜明的个性，或张扬，或内敛，或优雅，或简明虽然是不成熟的，但确立了自我，抓住了自我，体现了自我的个性世界。 刚开始练线条，听老师讲些概念问题。线条不是能一两天练成的，老师也说画好线条是没办法的，刚开始学，是要多练多画，让画画成为一种习惯，苦练过来的。我记得我当时就好像疯了似的无论是在课上还是课下拿起钢笔或是筷子或是什么其他的一些东西就会肆无忌惮的开始练线条。练得我自己都不知道是什么时候开始的，感觉那个时候真的是投入到了那个境界里，不知不觉时间也过的好快，我已经开始慢慢熟悉了且熟知了素描，他已经深入我今后学习的轨道中，也是我学习中不可缺的一部分。 素描作为基础训练，我认为其实素描是很有意思的，以后自己会越来越喜欢素描，也会练好素描的能力，坚固好地基，通过素描为今后的艺术创作做好更多更好的准备。 十一素描半身像课已经是最后一周了。在这五周课里，我学习到了很多原来不知道的东西，让我受益匪浅。 素描是绘画艺术的基础课程，但它不是板起面孔来作的，它需要人们情感的投入，真诚地热爱，纯正的品味，才能放出智慧的光芒，才能在同一个问题上取得一个更高的角度，才能触摸到艺术的灵魂。 艺术与普通科目不同，它的特征是要不断打破旧的观念，去开创新天地，是需要不断创新的；而普通科目是要严格遵守原有的意识，原有的规则，是需要不断去完善它的。想象力对于普通科目，可以说是一场灾难，但想象力对于艺术，就如翅膀对于飞鸟，它在艺术中的重要性从这个比喻中可见一斑。 画画也是要动脑的，需要很多思考，我认为学画的过程中“想”与“画”的关系有三个阶段。一，多多画，多想；二，多多画，多多想；三，多画，多多想。“想”在这个过程中占有越来越重要的位置。在第一阶段，基本上只是手的任务，训练手熟练地把想表现的对象表现出来。因为没有一定的绘画经验积累，就没有想的基础，而且那个“多想”也只是在技法层面上的；第二阶段，已经有了初步表现对象的基础，也有了在专业上进行思辩的能力，但是毕竟还是不够的，这时需要反覆地画，反覆地想；第三阶段，已经具有了熟练表现对象的基础，但在意识形态上，还跟不上，在这个时候，“想”比“画”更重要了。所以多多想，多画。 学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。 素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。素描作为基础训练，并不枯燥，希望有更多的人喜欢素描，练好素描的能力，通过素描为今后的艺术创作做好更多的准备。 我觉得学习素描还要有恒心。自己在学习的过程中，也有一些要注意的；例如要在生活中处处留意，不光是在上课是学习，随身带本速写本，看到有趣的东西就画下来，这会大大提高你的表达能力。其实学习素描和做人很相似，毅力、恒心、信心都要有。 艺术之所以存在，就是因为有人的独特感受在其中，每个人的感受千差万别，个人的感受也随时会发生变化，但审美的规律是可以寻找的。 对产生规律的学习要落实到对素描语言的感受上，具体说就是落实在点、线、面、黑白灰、构图、空间上，要学会感受素描语言带来的美感，这样，就会逐步建立一种美术思维的方式，也会真正体会到绘画的乐趣，使绘画变成一种快乐的方式。我们对自然中绘画语言因素研究得越多就越有多的发现，绘画因而也就更有创造的乐趣。 学习了这么长时间的素描,我感觉非常重要的一点就是要有耐心。试想看,你自己一个人拿着画板和笔,自己一个人呆着,画一个东西,要花好几小时,不耐烦的人就会觉得素描很烦,很浪费时间。但一个很喜欢画画有耐心的人,就不会觉得累,或者很烦,反而越画越想画。所以我们在画画时一定要能够深入下去,能够耐得住寂寞,让自己全身的沉浸到里面去。只有这样我们才有提高,才有进步,也会让自己喜欢上这门课.只有喜欢这门课,我们才有更大的进步。兴趣是最好的老师嘛。 虽然素描半身像快要结课了，但对我来说对于素描半身的学习才刚刚开始，自己需要学习的还太多。素描是绘画艺术的基础,它需要我们感情的投入,需要我们热爱它,另外我们要坚固自信心,戒骄戒躁,要勤奋,天道酬勤,我们一定会取得成功。 十二对素描的感觉 谈起素描，凡是学过画的都知道，我们在学画之初接触到的就是素描，再后来才是色彩，素描是绘画的基础。是造型艺术的基础。 回想起来学素描的时间也不短了，那我就说说对它的认识和想法。 素描素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，素面是一切绘画的基础，这是研究过程中所必须经过的一个阶段。也就是用明暗，用黑，白，灰便显出画面的体积空间，这大概是我们初学素描是共同的认识，认为素描就像是黑白照片一样，借助于铅笔，蜡笔，炭笔，色粉笔等工具表现出来，但随着我们学习，你会发现素描并不仅仅是这些，国外的一些素描大师，如文艺复兴三杰、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、安格尔、列宾、门采尔等等，他们的绘画里不仅包含形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态等等复杂的因素，更重要的是在他们的画面里包含了思想，感情，也就是感觉。这才是他们成名的关键，“感觉”这个词，说起容易做起难，如果要讲形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态等等这些想学了几年画的学生都几乎可以达到这种水平，但是要想在画面里加上自己的感情，情绪是不容易的，心情好时和心情坏时所画出的画是不同的，这个感觉应该包含两个方面。 它不仅是画家个人对模特的一种感情流露，也是模特本身自己的情感表现，在画上都要表现出来，画家自己的心情，高兴，忧郁，伤心等等对画面的表现都是有影响的，画面要活，要画出模特此时的心情，是伤心忧郁还是快乐的坐在那里，这很重要，它是不同于结构，体积等的一些基本概念的，这些情感构成了画面的精髓，使画面充满了活力，有了趣味，有了内涵。大使们的画关键就在这里 ，每一张画都是他们真情实感的表现，比那些优美的诗句更能抒发自己的心情。通常在这些画中表现了画家和模特的情感。 素描作为绘画的基础，表现手法也是多样的，不同的表现手法表现出现不同的效果，素描的表现手法可谓千变万化，然而均离不开线条、色调这两个基本表现语言。 线条，你可以利用它的走向、长短、粗细、强弱、松紧、虚实等关系以及它们之间的组合关系，能够表现物象的形体结构、透视关系、空间关系及其物体的质量感，同时能够表达作者的个性和对形象的独特感受。线条是极具说服力的绘画语言。它具有丰富的表现力和形式美感。应用浓淡、虚实的线条正确地表现形体的轮廓线与结构线，明确它们穿插与接，能够确定物象形体的主要特征与空间关系。 明暗色调是素描基本的表现手段之一。是表现物象立体感、空间感的有效方法，对真实地表现对象具有重要的作用。明暗素描适宜于立体地表现光线照射下物象的形体结构、不同的质感和色度及物象的空间距离感等等，使画面形象具有较强的直觉效果。我们可以根据光源的强弱，多少，光源距离形体的远近，和所称的角度等等因素来上明暗调子。美术实际上明暗是形体本质特征在一定光照下的特定表现。因此，正确描绘画面的明暗色调关系，能够正确地表现形体体面的起伏、形体的空间关系，体现物体的形体结构，从而在平面上创造富有立体感的视觉形象。在素描中，观察与刻画明暗色调的目的，是为了分析与表现处于特定光照下物体的形体本质特征，体现物体的结构、体面、空间、色调与质感等等。 随着现代绘画的不断发展，审美意趣也发生着不断的变化，由写实到表现再到抽象，素描也趋向这方面的发展，抛开严谨的形体结构，体积空间去表现画面。 每个人和每个人都不同，画画的风格也应该不同，每个人都应该有自己所喜欢的风格，并一直的走下去，走出一条适合自己的路。这个实际是比较难的，坚持就更不容易。 我们可以看到现代大师们的一些画，思想自由，风格各异，手法多样，每一张都给人以不同的感受，素描作为绘画的基础，我喜欢它，更要做好它，走出自己的风格，自己的感受，我会努力的。十三对素描的感觉 谈起素描，凡是学过画的都知道，我们在学画之初接触到的就是素描，再后来才是色彩，素描是绘画的基础。是造型艺术的基础。 回想起来学素描的时间也不短了，那我就说说对它的认识和想法。 素描素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，素面是一切绘画的基础，这是研究过程中所必须经过的一个阶段。也就是用明暗，用黑，白，灰便显出画面的体积空间，这大概是我们初学素描是共同的认识，认为素描就像是黑白照片一样，借助于铅笔，蜡笔，炭笔，色粉笔等工具表现出来，但随着我们学习，你会发现素描并不仅仅是这些，国外的一些素描大师，如文艺复兴三杰、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、安格尔、列宾、门采尔等等，他们的绘画里不仅包含形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态等等复杂的因素，更重要的是在他们的画面里包含了思想，感情，也就是感觉。这才是他们成名的关键，“感觉”这个词，说起容易做起难，如果要讲形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态等等这些想学了几年画的学生都几乎可以达到这种水平，但是要想在画面里加上自己的感情，情绪是不容易的，心情好时和心情坏时所画出的画是不同的，这个感觉应该包含两个方面。 它不仅是画家个人对模特的一种感情流露，也是模特本身自己的情感表现，在画上都要表现出来，画家自己的心情，高兴，忧郁，伤心等等对画面的表现都是有影响的，画面要活，要画出模特此时的心情，是伤心忧郁还是快乐的坐在那里，这很重要，它是不同于结构，体积等的一些基本概念的，这些情感构成了画面的精髓，使画面充满了活力，有了趣味，有了内涵。大使们的画关键就在这里 ，每一张画都是他们真情实感的表现，比那些优美的诗句更能抒发自己的心情。通常在这些画中表现了画家和模特的情感。 素描作为绘画的基础，表现手法也是多样的，不同的表现手法表现出现不同的效果，素描的表现手法可谓千变万化，然而均离不开线条、色调这两个基本表现语言。 线条，你可以利用它的走向、长短、粗细、强弱、松紧、虚实等关系以及它们之间的组合关系，能够表现物象的形体结构、透视关系、空间关系及其物体的质量感，同时能够表达作者的个性和对形象的独特感受。线条是极具说服力的绘画语言。它具有丰富的表现力和形式美感。应用浓淡、虚实的线条正确地表现形体的轮廓线与结构线，明确它们穿插与接，能够确定物象形体的主要特征与空间关系。 明暗色调是素描基本的表现手段之一。是表现物象立体感、空间感的有效方法，对真实地表现对象具有重要的作用。明暗素描适宜于立体地表现光线照射下物象的形体结构、不同的质感和色度及物象的空间距离感等等，使画面形象具有较强的直觉效果。我们可以根据光源的强弱，多少，光源距离形体的远近，和所称的角度等等因素来上明暗调子。美术实际上明暗是形体本质特征在一定光照下的特定表现。因此，正确描绘画面的明暗色调关系，能够正确地表现形体体面的起伏、形体的空间关系，体现物体的形体结构，从而在平面上创造富有立体感的视觉形象。在素描中，观察与刻画明暗色调的目的，是为了分析与表现处于特定光照下物体的形体本质特征，体现物体的结构、体面、空间、色调